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Quake 4 es el cuarto videojuego de la saga de FPS Quake. Ha sido desarrollado por Raven Software y distribuido por Activision. Raven Software ha colaborado con Id Software, los desarrolladores de la saga Quake en el pasado, que para este juego han supervisado su desarrollo y proporcionado el motor gráfico de Doom 3 con el que ha sido construido. Quake 4 fue lanzado el 18 de octubre de 2005 para PC. Existe además una versión para Xbox 360.

La historia de la serie salta del Quake II al Quake 4 porque Quake III no fue una continuación; se centró en el modo multijugador online y el modo para un sólo jugador estaba muy limitado, ya que era esencialmente el modo multijugador, salvo porque los contrincantes eran bots (manejados por el ordenador). Además, ninguno de estos tres juegos está relacionado con el primer Quake de la saga, excepto por el nombre, el logo y algunas armas.



El modo para un único jugador de Quake 4 continúa la historia desarrollada en Quake II, poniendo al jugador en una guerra contra unos cyborgs extraterrestres conocidos como stroggs. El juego continúa la historia de un marine llamado Matthew Kane (el primer protagonista con nombre en la saga Quake) que es miembro de una unidad militar conocida como escuadrón Rhino. La misión de los marines es asegurar el planeta Stroggos, mundo natal de los Strogg, y destruir al nuevo makkron, pero su nave es derribada y aquí es cuando comienza la acción.


En el juego se pueden pilotar varios vehículos militares introducidos a través del juego y en ocasiones habrá combates de escuadrones cuando el escuadrón Rinho u otros cómo el tejon o el víbora y luchen junto a ti. Estos escuadrones incluyen médicos y técnicos que pueden curarte o reparar tu armadura. Cuando aproximadamente se ha recorrido la tercera parte del juego, Kane será capturado y parcialmente "Stroggificado" -- es decir, convertido en un Strogg -- pero el proceso es interrumpido por los marines y no será activado cómo strogg, por lo que Kane recuperará su libertad. Esto añadirá nuevas habilidades a Kane, como la posibilidad de entender las comunicaciones Strogg, además de ser más ágil, y tener más salud y escudo, con esta habilidad el juego mantiene una mejor dificultad y logra matar al makkron (jefe de los strogg), al final Kane recibe "nuevas ordenes", lo que deja la posibilidad de un Quake 5. Los desarrolladores dijeron que intentaron mantener un ritmo alto de juego durante los numerosos cambios según se juega.

A pesar que el juego ha sido diseñado con el motor gráfico de Doom 3, hay grandes áreas tanto en interiores como en exteriores, que es algo sorprendente, ya que no era posible con la tecnología de Doom 3, pues el desarrollo de dicho juego ocurría por completo en escenarios interiores.

La Ola (Die Welle en alemán) es una película de drama alemana basado en el experimento de la Tercera Ola. El remake tuvo un éxito satisfactorio en las grandes pantallas germanas, después de 10 semanas en cartel, 2,3 millones de personas vieron la película. La película está dirigida por Dennis Gansel.

Durante un proyecto semanal, el profesor Rainer Wenger enseña a los estudiantes de su clase el tema de la autocracia como forma de gobierno. Los estudiantes se muestran escépticos ante la idea de que pudiera volver una dictadura como la del Tercer Reich en la Alemania de nuestros días y que ya no hay peligro de que el nacionalsocialismo vuelva a hacerse con el poder, porque a pesar de haber pasado décadas, las nuevas políticas y tecnologías arbitrarían el proceso de un mandato nuevo autocrático. El profesor decide empezar un experimento con sus alumnos para demostrar lo fácil que es manipular a las masas. A través de su lema: "fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo", haciendo hincapié en ello, de tal forma que cada día los alumnos siguieran una nueva regla. Por ejemplo, el profesor logró que todos ellos entrasen a su aula y, en menos de 30 segundos, se hubieran sentado todos ellos con actitud atenta y con la espalda bien recta, resueltos a iniciar la clase. El interés por la forma de cómo se ejecutaban esas clases creció, haciendo que jóvenes de otros cursos se cambiaran de aula hasta ser un curso numeroso, derivando en fanatismo. El grupo llega incluso al extremo de inventar un saludo y a vestirse de camisa blanca. El popular curso se decidió llamar "La Ola", y a medida que pasaban los días, "La Ola" comenzaba a hacerse notar mediante actos de vandalismo, todo a espaldas del profesor Wenger, que acaba perdiendo el control de la situación.

El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro (Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora. También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres.

El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al vello púbico, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico; Botticelli lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. Ahora bien, el contrapposto, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del helenismo. Se representa, sin embargo, al prototipo de belleza botticelliana semejante a la que aparece en La calumnia de Apeles; se cree que en esta Venus pudo representar a Simonetta Vespucci, glorificada en las Stanze de Poliziano, aunque la cuestión ha de quedar abierta. El rostro recuerda al de las vírgenes de Botticelli: muy joven, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión melancólica es impropia de la Antigüedad, asociándose más bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana. La piel de Venus es de color marfil, un blanco con una ligera tonalidad amarillenta y con ocasionales matices rosa. Esta tonalidad no recuerda a la piel, no sugiere carne tibia y flexible, sino la superficie y la firmeza de una estatua.

Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.[2]

Una de las Horas o Ninfas que espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata, específicamente, de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.

El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos.

El paisaje no recibe especial interés por el pintor, lo que es una característica de Botticelli, como él mismo reconoció ante Leonardo da Vinci. Los árboles forman parte de un pequeño bosque de naranjos en flor, esto corresponde al sagrado jardín de las Hespérides en la mitología griega. No obstante, los naranjos, lo mismo que el laurel, también presente, pueden entenderse como alusiones a la familia Médicis. Destacan los ropajes, caracterizados por tener una gran marcación de pliegues. Esta composición es de estructura más rigurosa, llena de líneas y de movimientos armónicos.

Se trata de una pintura de extraordinaria calidad por la representación microscópica de los detalles, las proporciones de los personajes concretos y por sus relaciones mutuas

ALBERTO RUIZ LÓPEZ

Nace en Madrid en 1968. Estudia Imagen y Sonido en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid. Empieza su andadura fotográfica en los años 90 colaborando como fotógrafo con varias productoras de Madrid. En 1995 viaja a Londres donde vive durante más de 4 años. Allí se aproxima a las nuevas tendencias fotográficas y audiovisuales. En 1999 vuelve a España donde se forma en diseño gráfico y fotografía digital, cumplimenta sus conocimientos en talleres monográficos, seminarios y ciclos de conferencias.
Actualmente trabaja como fotógrafo profesional especializado en paisajismo e interiorismo. Colabora con varias empresas, productoras y agencias de publicidad. Jurado de los premios Lux 2.007. Sus obras han sido expuestas en Europa y

Avatar es una película de ciencia ficción estadounidense, escrita, producida y dirigida por James Cameron. Fue estrenada el 18 de diciembre de 2009 en gran parte de Europa y en Estados Unidos, así como en México, aunque en algunos lugares se proyectó antes, como por ejemplo en Perú, Bélgica, Tijuana, Francia, Indonesia, Jamaica y Egipto, donde pudo ser vista desde el 16 de diciembre.

Desarrollo

La película ha estado en desarrollo desde 1994 bajo la supervisión de James Cameron, quien escribió una historia corta de 114 páginas. Supuestamente la película debería haber comenzado a filmarse después de Titanic y finalizada en 1999, pero de acuerdo a Cameron "la tecnología todavía tenía que alcanzar" a la visión del filme. A comienzos de 2006, él mismo escribió el guión, el lenguaje y la cultura de Pandora.

Esta película fue lanzada en formato 2D y 3D (RealD Cinema). El presupuesto oficial de Avatar es de 237 millones de dólares, aunque hay otras estimaciones que hablan de un costo de producción de entre 280 y 310 millones de dólares con una inversión en mercadeo de 150 millones. El mismo Cameron ha afirmado que si la produción tuviese éxito, tiene planeadas dos secuelas más de la película.

Temas e inspiración

Avatar se centra en el imperialismo y la biodiversidad. Cameron ha explicado que Avatar comparte temas con At Play in the Fields of the Lord y The Emerald Forest que presentan enfrentamientos entre culturas y civilizaciones. También reconoce la conexión existente con Dances with Wolves, donde un soldado que se encontraba hundido se ve representado en la cultura tribal contra la que luchaba inicialmente. Sin embargo, ha dejado sin responder las acusaciones de plagio que se han presentado contra él. Esas acusaciones son debidas al enorme parecido que hay entre el argumento de Avatar y la novela de Poul Anderson Call Me Joe.



SINOPSIS

Jake Sully —un marine veterano de guerra y herido en combate que queda parapléjico— es seleccionado para participar en el programa Avatar tras la muerte de su gemelo.

Así, Jake es trasladado a Pandora, una luna del planeta recién descubierto Polythemis cuya atmósfera es tóxica para los humanos y que alberga una asombrosa biodiversidad y está habitada por los Na'vi, una raza humanoide que vive en clanes en estado salvaje con su propia lengua y cultura. La raza humana se encuentra en conflicto con los nativos de un clan debido a que están asentados alrededor de un gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy cotizado: el unobtainium. La existencia de tal mineral ha llevado a una empresa privada a crear un proyecto de explotación de recursos minerales, la cual es dirigida por Selfridge en lo civíl y en lo militar por el coronel Quaritch.



La mente de Jake y de unos científicos es trasladada a los cuerpos artificiales de unos Na'vi creados genéticamente (avatares) para que así la comunicacion con los nativos resulte más sencilla. A pesar del fin científico del proyecto Avatar, el Coronel Quaritch convence a Jake para que le proporcione información sobre los nativos en caso de que haya que recurrir a la fuerza. Si logra los objetivos Quaritch le promete que podrá recuperar sus piernas inválidas.

Al principio, Sully cumple profesionalmente su misión informando al coronel Quaritch y a la doctora Augustine; no obstante, en su nuevo cuerpo, se da cuenta de lo maravillosa que es la cultura Na'vi y de que éstos jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable el conflicto armado.

Dirección: Edward Zwick
Producción: Freddie Fields
Guión: Kevin Jarre
Música: James Horner
Fotografía: Freddie Francis
Reparto: Matthew Broderick
Denzel Washington
Cary Elwes
John Finn
Morgan Freeman
Jihmi Kennedy
Andre Braugher
País: Estados Unidos
Año: 1989
Género: Cine bélico/Histórico
Duración: 118 minutos

Tiempos de gloria es una película de 1989, dirigida por Edward Zwick y protagonizada por Matthew Broderick.

Ambientada durante la Guerra civil estadounidense, está basada en la historia verídica del Regimiento nº 54 de Massachusetts formado por hombres voluntarios y de raza negra. De este regimiento de 186.107 hombres peleando por la Unión, durante el combate murieron 37.300. En su rodaje participaron más de 2.000 extras y un considerable número de primeros actores.

El regimiento num. 54 de Massachusetts no cuenta con la aprobación de la sociedad norteamericana ni con el apoyo del alto mando del ejército. A eso se le añaden los problemas entre la oficialidad blanca y la tropa de raza negra. Tras superar todas las trabas, por fin conseguirán entrar en combate, aunque siempre en las peores condiciones

Dirección: Terry George.
Países: Reino Unido, Sudáfrica, USA e Italia.
Año: 2004.
Duración: 121 min.
Género: Drama.
Interpretación: Don Cheadle (Paul Rusesabagina), Sophie Okonedo (Tatiana), Nick Nolte (Coronel Oliver), Joaquin Phoenix (Jack), Desmond Dube (Dube), David O'Hara (David), Cara Seymour (Pat Archer), Fana Mokoena (General Augustin Bizimungo), Hakeem Kae-Kazim (George), Tony Kgoroge (Gregoire), Ofentse Modiselle (Roger).
Guión: Keir Pearson y Terry George.
Producción: A. Kitman Ho y Terry George.
Música: Andrea Guerra, Rupert Gregson-Williams y Afro Celt Sound System.
Fotografía: Robert Fraisse.
Montaje: Naomi Geraghty.
Diseño de producción: Tony Burrough y Johnny Breedt.
Dirección artística: Emma MacDevitt.
Vestuario: Ruy Filipe.
Estreno en USA: 22 Diciembre 2004.
Estreno en España: 25 Febrero 2005

Ruanda, 1994. El presidente del país, miembro de la etnia Hutu, está a punto de firmar un acuerdo con los rebeldes Tutsi que pondrá fin a una guerra civil que lleva años asolando la población. Mientras tanto, los líderes de la Interhamwe, una milicia civil integrada por miembros de la etnia Hutu, exhortan a través de la radio a la población y al presidente a desconfiar de los rebeldes y a exterminar a todos los Tutsi. Una vez el presidente es asesinado en extrañas circunstancias, la Interhamwe comienza con la limpieza étnica para acabar a machetazos con sus conciudadanos Tutsi.
Hotel Ruanda cuenta esos mismos hechos desde el punto de vista de Paul Rusesabagina, el encargado de un Hotel de máxima categoría en Kigali, capital del país africano, miembro de la etnia Hutu pero casado con una mujer Tutsi. Una vez el genocidio comienza, Paul tratará por todos los medios de salvar la vida de su mujer y de sus más allegados albergándolos en el Hotel donde trabaja.

Tiziano Vecellio de Gregorio, uno de los principales representantes renacentistas de la escuela pictórica veneciana del siglo XVI, pintó el Adán y Eva en una fecha tardía de su vida. Representó el tema bíblico de una forma convencional: destacando los cuerpos desnudos de Adán y de Eva delante del Árbol de la Ciencia del Bien y del Mal, donde la serpiente se enrosca convertida en un ser antropomórfico con cabeza de niño. La diferencia visible con lo establecido para la representación de esta escena, anterior al pecado, es el gesto de rechazo que se aprecia en Adán ante la tentación que procede de su compañera. Tiziano diseñó su cuerpo completamente en tensión, separándose de ella a la vez que con el brazo izquierdo estirado pretende apartarla de sí.

Ciertos investigadores señalan que en esta pintura hay probables influencias compositivas de otras obras del mismo tema: en concreto, aventuran que Tiziano realizó una síntesis entre el fresco de Rafael realizado para la Stanza della Segnatura en el Vaticano y un grabado de Durero. Hay elementos que sí se repiten en el Adán y Eva de Tiziano y que están presentes en una u otra de estas obras, por ejemplo la disposición de las figuras alrededor de un árbol, el niño-serpiente enroscado en el tronco o el animal que aparece a los pies de Eva. En la copia que en 1628 realizó Rubens de esta pintura de Tiziano agregó un papagayo que sí figuraba en el grabado del pintor alemán pero no en el lienzo del veneciano.

Rubens, fascinado con la pintura de Tiziano, aprovechó su estancia en la Corte Española para copiar una serie de obras del artista veneciano que pertenecían a la Colección Real. La versión que hizo el pintor flamenco de este Adán y Eva es una traducción a su estilo más que una copia literal. En ella cambió rasgos formales, contenido expresivo y sobre todo los modos de pintar.

El Adán y Eva de Tiziano perteneció a la colección de Antonio Pérez (secretario de Felipe II), y no ingresó en la Colección Real hasta que en 1585 lo adquirió el rey. En el año 1600 estuvo en el Alcázar de Madrid. Sufrió bastante en el incendio de 1734. A finales del siglo XVIII se colocó en el nuevo Palacio Real formando pareja con la copia de Rubens. Este cuadro, junto con otros de las Colecciones Reales en los que existían desnudos, estuvo guardado por orden de Carlos III que los consideraba lascivos, en salas secretas de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando hasta que se trasladaron al Museo del Prado creado en 1819.

La Torre inclinada de Pisa es el campanario de la catedral de Pisa. Fue construida para que permaneciera en posición vertical pero comenzó a inclinarse tan pronto como se inició su construcción en agosto de 1173. La altura de la torre es de 55,7 a 55,8 metros desde la base, su peso se estima en 14.700 toneladas y la inclinación de unos 4° extendiéndose 3,9 m de la vertical. La torre tiene 8 niveles: una base de arcos ciegos con 15 columnas, 6 niveles con una columnata externa y remata en un campanario. La escalera interna en espiral tiene 294 escalones.
El gobierno de Italia solicitó ayuda el 27 de febrero de 1964 para prevenir su derrumbe, y el 7 de enero de 1990 fue cerrada al público como medida de seguridad. Recientemente fue realizado un trabajo de reconstrucción para tratar de reducir el ángulo de inclinación. Se volvió a permitir la entrada al público el 16 de junio de 2001, después de la finalización de 10 años de trabajo.

HISTORIA

La construcción de la Torre de Pisa se desarrolló en tres etapas durante un periodo de 200 años.La construcción de la primera planta de mármol comenzó el 9 de agosto de 1173, en un periodo de éxito militar y prosperidad. La primera planta está rodeada de pilares con capiteles clásicos y arcos ciegos.

Existe controversia sobre la identidad del arquitecto: durante muchos años el diseño se atribuyó a Guglielmo y Bonanno Pisano, un artista conocido residente en Pisa en el siglo XII, famoso por su piezas de bronce fundido, particularmente en el Pisa Duomo. Bonanno Pisano dejó Pisa en 1185 y marchó a Monreale, Sicilia, regresando solo tras su muerte. Su sarcófago fue descubierto al pie de la torre en 1820.

Después que se construyera la tercera planta en 1178, la torre se inclinó hacia el norte, debido a unos cimientos débiles (tres metros), en un subsuelo inestable. El diseño de esta torre era imperfecto desde su comienzo y su construcción cesó durante un siglo, debido a las guerras entre los pisanos y los estados vecinos. Este lapso permitió al suelo asentarse, de otro modo la torre se habría derrumbado.

En 1272 la construcción fue retomada por Giovanni di Simone, arquitecto autor del camposanto. se añadieron entonces cuatro nuevas plantas las que fueron construidas con cierto ángulo con objeto de contrarrestar la inclinación. La construcción se detuvo nuevamente en 1284 tras la derrota de Pisa por parte de los genoveses en la batalla de Meloria.

Sólo en 1372 Tommasso di Andrea Pisano construyó la última planta (el campanario) y las campanas fueron instaladas. Se considera que su intervención combina armónicamente los elementos góticos del campanario con el estilo románico de la torre. Las campanas son siete, correspondiendo cada una a una nota de la escala musical; la mayor de ellas fue instalada en 1655. Sin embargo, tras la conclusión del campanario, la torre empezó a inclinarse, esta vez hacia el sur.



Se dice que Galileo Galilei dejó caer dos bolas de cañón de diferente masa desde la torre para demostrar que la velocidad de descenso era independiente de la masa. La historia, aunque descrita por un estudiante del propio Galileo, se considera un mito.
Pocos años después de finalizada la torre el daño en su estructura se hizo manifiesto y muchos de los elementos de piedra originales realizados en mármol de San Giuliano fueron sustituidos, cambiándose por mármol blanco de Carrara.
En 1838 el arquitecto Alessandro Della Gherardesca excavó un camino alrededor de la torre para hacer visible la base. Esto causó una inundación de la base y de nuevo un incremento de su inclinación.
En 1934 Benito Mussolini ordenó colocar la torre en posición vertical, por lo que se vertió cemento en su base, para evitar filtraciones. El resultado fue inesperado, la torre se hundió aun más en la tierra reblandecida.
Durante la Segunda Guerra Mundial la armada de los Estados Unidos destruyó todas las torres cercanas en Pisa debido a la amenaza que suponían los francotiradores desde esas posiciones. Se programó la voladura de la Torre inclinada, pero una orden de retirada en el último instante la salvó de la destrucción.
El 27 de febrero de 1964, el gobierno de Italia pidió ayuda para prevenir la caída de la torre. Un conjunto de ingenieros, matemáticos e historiadores se asignó al proyecto y debatieron sobre los métodos de estabilización en las Islas Azores. Tras dos décadas de trabajo, la torre fue cerrada al público en enero de 1990.
Después de una década de esfuerzos de reconstrucción y estabilización, la torre fue reabierta al público el 15 de diciembre de 2001. Muchos métodos se propusieron para estabilizar la torre, incluyendo añadir 800 toneladas métricas de plomo de contrapeso. La solución final para corregir la inclinación fue eliminar 38 m³ de tierra de la zona inferior a la base. La torre ha sido declarada estable para al menos otros 300 años:
Las labores de consolidación han permitido que la inclinación sea la que tenía en 1700, 3,99 metros.

Dirección: Tim Burton.
País: USA.
Año: 2003.
Duración: 125 min.
Interpretación: Ewan McGregor (Edward Bloom joven), Albert Finney (Edward Bloom mayor), Billy Crudup (William Bloom), Jessica Lange (Sandra Bloom), Helena Bonham Carter (Jenny/Bruja), Alison Lohman (Sandra joven), Robert Guillaume (Doctor Bennett), Marion Cotillard (Josephine), Matthew McGrory (Karl), Danny DeVito (Amos), Steve Buscemi (Norther Winslow).
Guión: John August; basado en la novela de Daniel Wallace.
Producción: Richard D. Zanuck, Bruce Cohen y Dan Jinks.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Philippe Rousselot.
Montaje: Chris Lebenzon.
Diseño de producción: Dennis Gassner.
Dirección artística: Jack Johnson y Richard L. Johnson.



Big Fish, conocida en Hispanoamérica como El gran pez y en España por su título original, es una película de 2003 dirigida por Tim Burton y escrita por John August. Está basada en la novela Big Fish: A Novel of Mythic Proportions de Daniel Wallace, y protagonizada por Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Steve Buscemi, Helena Bonham Carter y Danny DeVito, entre otros.

La película iba a ser dirigida por Steven Spielberg antes que Burton se encargara del proyecto, tras la muerte de su propio padre. Fue filmada en Alabama, y tiene menos elementos góticos que otras películas de Burton como Edward Scissorhands (El joven manos de tijeras / Eduardo Manostijeras) y Sleepy Hollow. La película recibió cuatro nominaciones para Los Globos de Oro y una nominación para los Oscar.

Edward Bloom era un hombre que relataba momentos de su vida añadiéndoles características fantásticas. Cuando lo hace en la boda de su hijo Will, éste deja de hablarle durante años. Will trabaja como periodista en París. Cuando la salud de su padre empeora, Will regresa junto a su esposa Josephine a Alabama. En el avión, Will narra una de las historias de su padre, en ella conocía a una bruja que le mostraba de qué manera moriría al mirar a través de su ojo de vidrio.

A lo largo de la película, Edward cuenta algunas historias que relatan momentos de su vida. Por ejemplo, explica que cuando era niño, estuvo tres años en cama debido a su rápido crecimiento. Tras esto, se convierte en un exitoso deportista, pero cree que el pueblo donde vive es demasiado pequeño para sus ambiciones. Tras conocer a Karl, un gigante incomprendido, inicia un viaje junto a él. Edward atraviesa un bosque embrujado y llega a un pueblo donde conoce a un poeta llamado Norther Winslow. Antes de abandonar el pueblo, le promete a Jenny, una niña que conoció, que regresaría algún día.

Edward y Karl visitan un circo, donde el protagonista ve al amor de su vida. Sin embargo, la pierde de vista sin poder conocer su nombre. Amos, dueño del circo, le propone a Edward un trato: si trabaja para él gratuitamente en el circo, Amos le irá dando información de la joven al final de cada mes. Sin embargo, éste le cuenta a Edward sólo algunos detalles sobre la joven que vio, pero nunca su nombre o dirección. Una noche, Edward descubre que Amos es un hombre lobo, pero no lo mata. Debido a este gesto, le revela el nombre de la joven (Sandra Templeton) y lugar donde estudia (Universidad de Auburn).

Sin embargo, Sandra era novia de un joven llamado Don Price, proveniente del mismo pueblo que Edward. Edward no se rinde, y planta fuera de la casa de Sandra sus flores favoritas, Narcisos. Don los descubre juntos y golpea a Edward para que se aleje de ella. Sandra defiende a Edward y termina con Don.

Edward es reclutado por el ejército y debe alejarse de Sandra para ir a la guerra. En Corea conoce a Ping y Jing, dos siamesas que le ayudan a volver a Estados Unidos. Edward es dado por muerto, pero regresa con Sandra. Tras esto, sus oportunidades de trabajo eran limitadas por lo que se dedica a trabajar como vendedor. Un día vuelve a encontrarse con Winslow, quien le pide ayuda para robar un banco, el cual estaba en bancarrota. Winslow deja de lado ser ladrón y se convierte en un exitoso hombre de negocios.

Molesto por las historias de su padre, Will pide que le cuente la verdad. Sospechando que su padre tenía otra familia, revisa su oficina, encontrando cartas de cuando fue dado por muerto, y otras que provenían del pueblo que conoció. Will conoce a Jenny, quien se convirtió en instructora de piano. Ella le cuenta que su padre ayudó al pueblo, el cual cayó en bancarrota, reconstruyendo las casas. Además le contó que para su padre, la única mujer era Sandra, su esposa.

Will regresa a casa y descubre que su padre está en el hospital. Edward le pide a su hijo que le cuente una historia, él narra cómo ambos escapan del hospital y se dirigen al río, donde se encuentra toda la gente que conoció durante su vida. En el río, Edward se convierte en un pez. Tras esto, Edward dice "la historia de mi vida" y muere. En el funeral Will ve a varios amigos de su padre, los cuales estaban presentes en sus historias. Will explica que su padre se convirtió en sus historias tras años de narrarlas, y que vivirá por siempre en ellas

La Alhambra es una ciudad palatina andalusí situada en Granada (España). Se trata de un rico complejo palaciego y fortaleza (alcazar o al-Ksar) que alojaba al monarca y a la corte del Reino de Granada nazarí. Su verdadero atractivo, como en otras obras musulmanas de la época, no sólo radica en los interiores, cuya decoración está entre las cumbres del arte andalusí, sino también en su localización y adaptación, generando un paisaje nuevo pero totalmente integrado con la naturaleza preexistente. En el 2006 recibió 2.153.491 de visitantes.

Historia



La Alhambra es una ciudad amurallada (medina) que ocupa la mayor parte del cerro de La Sabika. La Granada musulmana tenía su propio sistema de amurallamiento, por tanto la Alhambra podía funcionar con autonomía respecto a la ciudad. En la Alhambra se encontraban todos los servicios propios y necesarios para la población que vivía allí: palacio real, mezquitas, escuelas, talleres, etc.

En 1238 entra en Granada por la Puerta de Elvira, y para ocupar el Palacio del Gallo del Viento, Mohamed-Ben-Nazar (o Nasr), llamado Al-Hamar el Rojo (ya que tenía la barba roja).

Cuando Ben-Al-Hamar (Mohamed-Ben-Nazar) entró triunfador en Granada en ese año de 1238, la población le recibió con el grito de Bienvenido el vencedor por la gracia de Alá, él respondió: Solamente Alá vence. Éste es el lema del escudo nazarí y también está escrito por toda la Alhambra. Ben-Al-Hamar construyó el primer núcleo del palacio. Su hijo Mohamed II, que fue amigo de Alfonso X el Sabio, lo fortificó.

El estilo granadino en la Alhambra es la culminación del arte andalusí, lo que ocurrió a mediados del siglo XIV con Yusuf I, que construyó la Torre de Comares, y con Mohamed V, quien edificaría el Patio de los Leones

En 1492, con la conquista de Granada por los Reyes Católicos, la Alhambra pasa a ser palacio real. El conde de Tendilla, de la Familia de Mendoza, fue el primer alcaide cristiano de la Alhambra. Hernando del Pulgar, cronista de la época, cuenta: El conde de Tendilla y el Comendador Mayor de León, Gutierre de Cárdenas, recibieron de Fernando el Católico las llaves de Granada, entraron en la Alhambra y encima de la Torre de Comares alzaron la cruz y la bandera.

El Comité del patrimonio mundial de la Unesco declaró la Alhambra y el Generalife de Granada como Patrimonio Cultural de la Humanidad en su sesión del día 2 de noviembre de 1984 y cinco años después, el barrio de El Albaicín (Al Albayzín), antigua ciudad medieval musulmana, obtuvo la misma denominación como extensión de la declaración como Patrimonio Cultural de la Humanidad de La Alhambra y el Generalife. La Alhambra fue uno de los 21 candidatos finalistas para ser elegida una de las Nuevas Siete Maravillas del Mundo, aunque finalmente no consiguió tal título.

El Coliseo (Colosseum en latín) es un gran anfiteatro de la época del Imperio
romano, construido en el siglo I en el centro de la ciudad de Roma y bajo jurisdicción de ciudad Vaticano, por su procedencia ligada a el catolicismo. Originalmente era denominado Anfiteatro Flavio (Amphitheatrum Flavium), en honor a la Dinastía Flavia de emperadores que lo construyó, y pasó a ser llamado Colosseum por una gran estatua ubicada junto a él, el Coloso de Nerón, no conservada actualmente. Por sus características arquitectónicas, estado de conservación e historia, el Coliseo es uno de los monumentos más famosos de la antigüedad clásica.

En la antigüedad poseía un aforo para 50.000 espectadores, con ochenta filas de gradas. Los que estaban cerca de la arena eran el Emperador y los senadores, y a medida que se ascendía se situaban los estratos inferiores de la sociedad. En el Coliseo tenían lugar luchas de gladiadores y espectáculos públicos. Se construyó justo al Este del Foro Romano, y las obras empezaron entre el 70 d. C. y el 72 d. C., bajo mandato del emperador Vespasiano. El anfiteatro, que era el más grande jamás construido en el Imperio romano, se completó en el 80 d. C. por el emperador Tito, y fue modificado durante el reinado de Domiciano.

El Coliseo se usó durante casi 500 años, celebrándose los últimos juegos de la historia en el siglo VI, bastante más tarde de la tradicional fecha de la caída del Imperio romano de Occidente en el 476 d. C. Así como las peleas de gladiadores, muchos otros espectáculos públicos tenían lugar aquí, como naumaquias, caza de animales, ejecuciones, recreaciones de famosas batallas, y obras de teatro basadas en la mitología clásica. El edificio dejó de ser usado para estos propósitos en la Alta Edad Media. Más tarde, fue reutilizado como refugio, fábrica, sede de una orden religiosa, fortaleza y cantera. De sus ruinas se extrajo abundante material para la construcción de otros edificios, hasta que fue convertido en santuario cristiano, en honor a los prisioneros martirizados durante los primeros años del Cristianismo. Esta medida contribuyó a detener su expolio y a procurar su conservación.

Aunque la estructura está seriamente dañada debido a los terremotos y los picapedreros, el Coliseo siempre ha sido visto como un icono de la Roma Imperial y es uno de los ejemplos mejor conservados de la arquitectura romana. Es una de las atracciones turísticas más populares de la moderna Roma y aún está muy ligado a la Iglesia Católica Romana, por lo que el Papa encabeza el viacrucis hasta el anfiteatro cada Viernes Santo.

El 7 de julio de 2007, fue reconocida como una de las Nuevas Siete Maravillas del Mundo Moderno.

La Capilla Sixtina es uno de los más famosos tesoros artísticos de la Ciudad del Vaticano, construida entre el 1471 y el 1484, en la época del papa Sixto IV, de donde procede el nombre por el que es conocida, aunque inicialmente se llamó Capilla Palatina. Su arquitecto fue Giovanni d'Dolci siguiendo los modelos de las antiguas plantas basilicales romanas las cuales por su parte se inspiraban estructural y arquitectónicamente en antiguos edificios griegos como el Concejo del Ágora ateniense.

Es conocida en todo el mundo tanto por ser la sala en la que se celebra el cónclave y otras ceremonias oficiales como las coronaciones papales, como por haber sido decorada por Michelangelo Buonarroti (Miguel Ángel). Se encuentra a la derecha de la Basílica de San Pedro, después de la Scala Regia ('Escalera Real'), y originalmente servía como capilla al interior de la fortaleza vaticana.

La capilla es de forma rectangular y mide 40.93 m de longitud por 13.41 de anchura (las dimensiones del Templo de Salomón según el Antiguo Testamento). Su altura es de 20.7 m.

Su decoración pictórica al fresco se inició recién terminada y en ella participaron Sandro Botticelli, Luca Signorelli, Perugino, Pinturicchio y Ghirlandaio entre otros.

La pared sobre el altar mayor (con una superficie de 13.7 m por 12.2 m) la ocupa el Juicio Final.

En el centro de la bóveda se representan nueve escenas rectangulares sobre la Creación y la Caída del hombre, flanqueadas por profetas y sibilas, así como los antepasados de Jesús y arquitecturas y esculturas fingidas (trampantojos).

Debe su nombre al Papa Sixto IV della Rovere (pontífice desde 1471 hasta 1484) quien hizo reestructurar la antigua Capilla Magna entre el año 1477 y el 1480.

Guerrillero heroico. La famosa foto del Che Guevara en la que aparece su rostro con la boina negra mirando a lo lejos, fue tomada por Alberto Korda el 5 de marzo de 1960, cuando Guevara tenía 31 años. El Instituto de Arte de Maryland (Estados Unidos) la denominó "La más famosa fotografía e icono gráfico del mundo en el siglo XX".

“La Caída de hombre” es una fotografía tomada por Richard Drew a las 9:41:15 am, el 11 de septiembre de 2001, de un hombre cayendo del World Trade Center durante los ataques del 11 de septiembre en la ciudad de Nueva York.
El hombre en la foto sigue siendo desconocido.

Sebastião Salgado nació en 1944 en el estado de Minas Gerais, Brasil. En 1968 obtiene una maestría en economía en las universidades de São Paulo y Venderbit. De 1969 a 1971 frecuenta, en París, la Escuela Nacional de Estadística Económica. En 1971 obtiene el título de doctor.

De 1971 a 1973 trabaja en África para la Organización Internacional del Café. De ahí surge su pasión por la fotografía. Regresa a París y comienza a trabajar como reportero fotográfico.

Sus primeros trabajos los realiza en África. De 1977 a 1983 viaja por América Latina y publica un libro de fotografías titulado Otras Américas. En 1979 comienza a trabajar para la agencia Mágnum.

En 1986, inicia un proyecto sobre la desaparición del trabajo manual que se concretiza en 1993 en su álbum Trabajadores.

En 1998 ganó el premio Príncipe de Asturias de las Artes, convirtiéndose en el primer fotógrafo en obtener ese galardón.

El Hormiguero es un talk show de televisión producido por Siete y Acción para la cadena española Cuatro, estrenado el 24 de septiembre de 2006. Sus contenidos giran alrededor del humor, las entrevistas y los experimentos de divulgación científica. Está presentado y dirigido por Pablo Motos, en colaboración con las marionetas Trancas y Barrancas. El programa cuenta con las colaboraciones de Luis Piedrahita, Raquel Martos, Flipy ("el científico loco"), Juan y Damián con "El Quiosco", o Jandro entre otros.

Ha tenido éxito de audiencia en relación con el índice medio de la cadena y se ha ampliado de un programa dominical de 120 minutos a un programa diario (de lunes a jueves y sábado) de 50 minutos en su tercera temporada, que comenzó el 17 de septiembre de 2007. Ahora empieza quince minutos antes, de lunes a jueves y sábado a las 21:25.

En 2009 resultó ganador del premio Rose d'Or en la categoría de entretenimiento.

En Enero de 2009, nace O Formiguiro, la versión portuguesa de programa de Pablo Motos, El Hormiguero.

House M. D. (también conocida simplemente como House o como Dr. House) es una serie de televisión estadounidense estrenada en 2004 por la cadena FOX. La serie fue creada por David Shore, quien además sirve como productor ejecutivo junto a otros como Paul Attanasio, Katie Jacobs o Bryan Singer. El argumento fue idea de Attanasio, basándose en una columna médica escrita por la Dra. Lisa Sanders en el periódico New York Times, mientras que la creación de los personajes corrió a cargo de Shore después de su visita a un hospital universitario. Se inspiró en el detective Sherlock Holmes para el personaje de Gregory House. Se trata de un drama médico que gira en torno a éste, interpretado por el actor británico ganador de dos Globos de Oro Hugh Laurie, un médico huraño y brillante que junto a su equipo médico tratan de encontrar la explicación a los enigmáticos casos clínicos que llegan al ficticio Hospital Universitario Princeton-Plainsboro de Nueva Jersey. Las localizaciones están situadas en Century City, un distrito de Los Ángeles, California.

El resto del reparto lo completan Lisa Edelstein (Dra. Lisa Cuddy), Robert Sean Leonard (Dr. James Wilson), Jesse Spencer (Dr. Robert Chase), Jennifer Morrison (Dra. Allison Cameron), y Omar Epps (Dr. Eric Foreman). Spencer, Morrison y Epps interpretaban al equipo médico de House. A partir de la cuarta temporada se integraron nuevos actores debido a la marcha de su equipo: Olivia Wilde (Dra. Remy "Trece" Hadley), Peter Jacobson (Dr. Chris Taub) y Kal Penn (Dr. Lawrence Kutner). Penn abandonó el programa en 2009 al aceptar una oferta del presidente de los Estados Unidos, Barack Obama, para formar parte de su gabinete presidencial. House ha gozado de la preferencia de la crítica y del público desde su lanzamiento, convirtiéndose en uno de los programas televisivos más vistos en los Estados Unidos y en todo el mundo. Ha recibido diversos reconocimientos y nominaciones, entre los que destacan un premio Peabody, dos Globos de Oro y tres premios Emmy. Fue la serie más vista en 2008, con un promedio de 82 millones de personas en 66 países.

Final Fantasy X es un RPG desarrollado y publicado por la compañía Squaresoft (ahora conocida como SquareEnix tras la fusión en 2003 con Enix) para el sistema Playstation 2, llegando a Europa en el 2002. FFX es la décima entrega de la serie Final Fantasy (FF) y fue la primera en aparecer para la consola de videojuegos Playstation 2.

Presentado en el año 2001, está entre los 20 videojuegos de consola más vendidos de la historia; ha vendido más de 7.93 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el segundo juego más vendido de la saga. También fue votado por los lectores de la revista japonesa de videojuegos Famitsu como el mejor videojuego de todos los tiempos.

Dentro de la 'Saga Final Fantasy ' este juego marca una importante transición entre escenarios totalmente pre-renderizados a entornos tri-dimensionales completos, gracias al procesador Emotion Engine de PlayStation 2. No obstante, algunos interiores y escenarios concretos siguen utilizando los modelos pre-renderizados.[Final Fantasy X es el primero de la serie en presentar un amplio rango de expresiones faciales realistas, así como otros logros tecnológicos, como la variación de luces y sombras entre las distintas partes de la vestimenta de un personaje. También fue la primera entrega de la saga en incorporar voces en los diálogos de los personajes, dobladas por actores profesionales, y es el segundo de la saga en tener una secuela, Final Fantasy X-2.







Argumento

Listen to my story, this may be our last chance" ("Escucha mi historia, ésta podría ser nuestra última oportunidad")(Tidus, al comienzo del juego)





Tidus es un joven estrella del Blitzball que juega en los Zanarkand Abes, el equipo de su ciudad. Un día, durante un partido, un extraño ser ataca de improviso la ciudad haciéndose llamar Sinh. Auron, un misterioso conocido de la familia de Tidus, le ayuda a escapar introduciéndose en la esfera que había originado la devastación. Tidus despierta en un lugar desconocido para él. Cansado y hambriento busca refugio dentro de unas ruinas, donde es atacado por una bestia salvaje. En el calor de la batalla, es auxiliado por una misteriosa muchacha llamada Rikku, que aparece de improviso. Ella lo lleva consigo y le da de comer. Luego, le explica que Zanarkand fue destruida 1000 años atrás y que todo lo que Tidus parece saber, creer o conocer, carece de lógica...

Y aquí es donde verdaderamente empieza la aventura. Encarnando a Tidus deberemos descubrir qué es lo que nos ha pasado y cómo podremos volver a Zanarkand, nuestro hogar. Para ello deberemos descubrir cuál es la relación entre nuestro viaje y Sinh. Conoceremos a muchos personajes en una intrincada historia que revelará la verdad que hay tras Sinh, (Pecado en español) y el mundo de Tidus que pareciera existir en otro tiempo. Entre estos personajes conoceremos a Yuna, que junto con Tidus se embarcara en una gran aventura para librar a Spira de Sinh y devolver al joven a su propio tiempo.

Los protagonistas de la décima parte de la eterna historia de amor, odio, magia y fantasía de Squaresoft son los más carismáticos de los últimos juegos de la saga. Las diferentes motivaciones de cada uno hacen que las personalidades de los principales personajes sean claramente distinguibles, añadiendo un componente espontáneo al argumento que es de agradecer en un juego cuya linealidad podría convertir al guión en algo muy previsible.

Dirección: Robert Zemeckis.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 143 min.
Interpretación: Tom hanks (Chuck Noland), Helen Hunt (Kelly Frears), Nick Searcy (Stan), Chris North (Jerry Lovett).
Guión: William Broyles Jr.
Producción: Robert Zemeckis, Tom Hanks, Steve Starkey y Jack Rapke.
Música: Alan Silvestri.
Fotografía: Don Burgess.
Montaje: Arthur Schmidt.
Diseño de producción: Rick Carter.
Dirección artística: Stefan Dechant, Elizabeth Lapp, Kim Sinclair y William James Tegarden.


Náufrago, película estadounidense de 2000 dirigida por Robert Zemeckis basado en el libro Relato de un naufrago de Gabriel Garcia Marquez trata acerca de la lucha de un hombre por sobrevivir en una isla desierta en medio del enorme Océano Pacífico y volver a la civilización.

La existencia maníaca de Chuck tiene un final abrupto cuando, luego de un accidente aéreo, se convierte en el único sobreviviente en una isla remota, aislado en el lugar más desolado que sea posible imaginar. Despojado de las comodidades de la vida diaria, primero debe cubrir las necesidades básicas para sobrevivir, incluyendo agua, comida y refugio. Chuck, que siempre encontraba la solución a los problemas, debe encontrar la forma de sostenerse físicamente. ¿Y después qué? Ahí comienza la verdadera travesía personal de Chuck.

Después de cuatro años, el destino le brinda la oportunidad de luchar para lograr regresar a la civilización, sólamente para encontrar un desafío emocional inesperado superior a todos los físicos padecidos hasta el momento. Su capacidad para perseverar y no perder la esperanza son producto de las experiencias vividas. Si bien la conclusión de la historia de Chuck puede no ser un final convencional para Hollywood, es, al igual que la vida, pleno de verdad, dolor y promesa

Petra (en árabe, البتراء al-Batrā´) es un importante enclave arqueológico en Jordania, y la capital del antiguo reino nabateo. El nombre de Petra proviene del griego πέτρα que significa piedra, y su nombre es perfectamente adecuado; no se trata de una ciudad construida con piedra, sino, literalmente, excavada y esculpida en la piedra.

El asentamiento de Petra se localiza en un valle angosto, al este del valle de la Aravá que se extiende desde el mar Muerto hasta el Golfo de Aqaba. Los restos más célebres de Petra son sin duda sus construcciones labradas en la misma roca del valle (hemispeos), en particular, los edificios conocidos como la Khazneh (la Tesorería) y el Deir (el Monasterio).

Fundada en la antigüedad hacia el final de siglo VII a. de C. por los edomitas, fue ocupada en el siglo VI a. de C. por los nabateos que la hicieron prosperar gracias a su situación en la ruta de las caravanas que llevaban el incienso, las especias y otros productos de lujo entre Egipto, Siria, Arabia y el sur del Mediterráneo.

Hacia el siglo VIII, el cambio de las rutas comerciales y los terremotos sufridos, condujeron al abandono de la ciudad por sus habitantes. Cayó en el olvido en la era moderna, y el lugar fue redescubierto para el mundo occidental por un explorador suizo Johann Ludwig Burckhardt en 1812.

Numerosos edificios cuyas fachadas están directamente esculpidas en la roca, forman un conjunto monumental único que a partir del 6 de diciembre de 1985, está inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. La zona que rodea el lugar es también, desde 1993, Parque Nacional arqueológico.

Desde el 7 de julio de 2007, Petra forma parte de las Nuevas Siete Maravillas del Mundo.

La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por Eugène Delacroix pintado en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de París.

El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.

El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella . El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente la teta al descubierto indicandonos que ha valido la pena morir por ella.

El Ilusionista es una película de 2006 escrita y dirigida por Neil Burger y protagonizada por Edward Norton, Jessica Biel, Rufus Sewell y Paul Giamatti. Fue presentada en la edición de 2006 del Festival de Cine de Sundance.


En la Viena de principios de siglo XX, Eisenheim (Edward Norton) es un misterioso mago cuyo espectáculo de ilusionismo cautiva a la población. Pronto se corre el rumor de que poseía poderes sobrenaturales, el príncipe heredero Leopold (Leopoldo) (Rufus Sewell) decide desenmascarar con la ayuda del Inspector Uhl (Paul Giamatti) al que para él es un impostor.

Durante una actuación el príncipe convence a su prometida Sophie (Jessica Biel) para que suba al escenario como protagonista del truco de magia. El mago reconoce a Sophie, y viceversa, como su amor de la infancia y comienzan una relación clandestina. Los dos hombres comienzan una lucha por el amor de la bella mujer donde no hay límites.

Dirección: Tom Tykwer.
Países: Alemania, Francia y España.
Año: 2006.
Duración: 147 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Ben Whishaw (Jean-Baptiste Grenouille), Alan Rickman (Antoine Richis), Rachel Hurd-Wood (Laura Richis), Dustin Hoffman (Giuseppe Baldini), Simon Chandler (mayor de Grasse), Jessica Schwarz (Natalie), Sian Thomas (madame Gaillard), Sam Douglas (Grimal), Corinna Harfouch (madame Arnulfi).
Guión: Andrew Birkin, Bernd Eichinger y Tom Tykwer; basado en la novela "El perfume" de Patrick Süskind.
Producción: Bernd Eichinger.
Música: Tom Tykwer, Reinhold Heil y Johnny Klimek.
Fotografía: Frank Griebe.
Montaje: Alexander Berner.
Diseño de producción: Uli Hanisch.
Vestuario: Pierre-Yves Gayraud.
Estreno en Alemania: 14 Sept. 2006.
Estreno en España: 24 Noviembre 2006

El Perfume - Historia de un asesino (Original: Das Parfum – Die Geschichte eines Mörders) es una película alemana, del director Tom Tykwer del año 2006. El drama se basa en la la novela del mismo nombre de Patrick Süskind y fue producido por, entre otros, los estudios Constantin Film, Castelao Producciones S.A., Nouvelles Éditions de Films y VIP 4 Medienfond.

Jean-Baptiste Grenouille (Ben Whishaw) nació en mitad del hedor de los restos de pescado de un mercado y fue abandonado por su madre en la basura. La autoridad se hizo cargo del bebé y sentenció a su madre a la horca. El chico creció en el ambiente hostil de un hospicio, nadie le quería e incluso sus compañeros intentaron asesinarle. Había algo que le hacía diferente: no tenía olor. Sin embargo, Jean-Baptiste poseía un olfato excepcional. A los 20 años consigue trabajar para el perfumero Baldini (Dustin Hoffman), quien le enseña a destilar esencias. Pero él quiere atrapar otros olores: el del cristal, el cobre... pero, sobre todo, el de ciertas mujeres. A cambio de un centenar de fórmulas de nuevas fragancias con las que Baldini podría hacerse rico, éste le escribe una carta de recomendación para que pueda aprender el arte de enfleurage en la capital mundial del perfume: Grasse. Una vez allí, conseguirá su objetivo: un magnífico perfume cuyo ingrediente es la esencia de jóvenes muchachas.

“Assassin’s Creed: Lineage” es una miniserie formada por tres cortometrajes de quince minutos cada uno y que narra los hechos sucedidos antes del videojuego “Assassin’s Creed II”. Dirigidos por Yves Simoneau (Bury My Heart at Wounded Knee), fueron rodados en los estudios Hybride Technologies, con la tecnología empleada en películas como 300 o Sin City, y se empezaron a emitir online el 26 de octubre de 2009, para posteriormente dar el salto a las televisiones y acabar saliendo en DVD a principios de 2010.

La historia detrás de los cortos funcionan como una precuela para los hechos ocurridos en Assassin’s Creed II. Tal como se tenía pensado, la trama sigue al padre de Ezio Auditore di Firenze (protagonista de la secuela), mientras intenta descubrir al culpable detrás de un complot para derrocar a la poderosa familia Medici y destruir a la Italia unificada.




Tras la muerte del duque de Milán, el Asesino Giovanni Auditore recibe el encargo de investigar el crimen. Su misión es descubrir a los responsables y las razones del brutal asesinato. Pero las respuestas que encuentra implican a las familias más poderosas de Italia y desvelan una conexión con el propio Vaticano. Al acercarse más y más a la verdad, Giovanni se convierte en uno de los objetivos del complot. Debe sacar a la luz los nombres de los conspiradores antes de que él mismo se una a la lista de víctimas? Esta es lahistoria que precede a Assassin?s Creed II.

Tekken (鉄拳, Tekken?) es una saga de videojuegos de lucha desarrollado por Namco y distribuidos por Namco Bandai Games. Originalmente era un juego de arcade que al poco tiempo fue adaptado a la plataforma PlayStation convirtiéndose así en una saga exclusiva de esta consola por mucho tiempo hasta la entrega Tekken 6, la cúal es multiplataforma, aunque anteriormente también hubo versiones para varias portátiles como la portátil Game Boy Advance




Argumento del juego

En todas las entregas del videojuego Tekken (al menos las que poseen un argumento lineal dentro de la historia del juego), el argumento general consiste principalmente en que un número determinado de personajes, expertos en diferentes estilos de lucha y artes marciales, participan en el torneo de lucha Tekken: The Iron Fist Tournament. Luchando entre si hasta llegar al Jefe Final de dicho torneo (que ha ido cambiando con cada entrega de la saga) y tras derrotarlo se muestra una secuencia final, en la que se ve como obtienen la recompensa de haber ganado el torneo, alcanzar un objetivo, o cumplir con sus destinos.







Un Tekken de nueva generación

Hay tres grandes pilares a través de los cuales definir la grandeza de este nuevo Tekken. En primer lugar, su legado, con 40 personajes, muchos rescatados de los anteriores videojuegos pero que suman interesantes incorporaciones como el comandante Lars y la androide Alisa, aparte de un personaje español, Miguel, y una serie de luchadores como Leo, Bob, Zafina o un gigantesco robot.




En segundo término, debemos de citar los escenarios interactivos. Con cerca de 16 detallados y preciosistas entornos, Tekken 6 se convierte en la obra visualmente más impactante de toda la franquicia. Pero no sólo por la profundidad de los decorados, por la nieve, por la lluvia o los cambios día/noche de un asalto a otro, sino también por el factor destructible del suelo y de las paredes. Cuando arrojemos a nuestro contrincante sobre la superficie o los muros del escenario, veremos baldosas saltar por los aires, siempre que no descubramos zonas ocultas de batalla en el subsuelo o al otro lado de la pared.


El último valuarte de Tekken 6 es la accesibilidad. Con tan sólo cuatro botones (dos para patadas y dos para puñetazos) tenemos la posibilidad de desencadenar docenas de ataques diferentes, y siempre con una facilidad pasmosa. Eso sí, hay una notable diferencia entre jugar y dominar el título, con lo que aprendernos todas las técnicas de los 40 personajes podría convertirse en una tarea casi imposible.