Título: La lista de Schindler Dirección: Steven Spielberg Producción: Steven Spielberg Branko Lustig Gerald R. Molen Guión: Steven Zaillian Música: John Williams Fotografía: Janusz Kaminski Escenografía: Ewa Braun Vestuario: Anna B. Sheppard Reparto: Liam Neeson Ralph Fiennes Ben Kingsley País(es): Estados Unidos Año: 1993 Género: Drama Duración: 195 minutos Presupuesto: $25,000,000 dólares
La lista de Schindler es una película biográfica de 1993 dirigida por Steven Spielberg que cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó la vida de un millar de judíos polacos durante el Holocausto. Está basada en la novela El arca de Schindler (Schindler's Ark), escrita por Thomas Keneally. Fue protagonizada por Liam Neeson (como Schindler), Ralph Fiennes (como oficial de las SS llamado Amon Leopold Goeth), y Ben Kingsley (el contable de Schindler, Itzhak Stern). La película ganó siete premios Oscar, incluido el de mejor película, el de mejor director y el de mejor banda sonora.
SINOPSIS
Se relata la historia de un empresario de origen checo, Oskar Schindler (interpretado por Liam Neeson), miembro del Partido Nazi quien acababa de llegar a Cracovia. Inicialmente se aprovecha de la situación en Polonia (recientemente invadida por el ejército nazi) para crear una fábrica de artículos de cocina, y para ello llega a un acuerdo con el director de un campo de trabajos forzados para usar mano de obra judía proveniente del ghetto de Cracovia, la opción de trabajo más económica disponible. Schindler depende de su contador judío, Itzhak Stern (interpretado por Ben Kingsley).
Pero pronto, Oskar intenta ayudar a sus trabajadores con todo lo que puede impidiendo que vayan al ghetto o a campos de concentración o de exterminio, aunque para ello tiene que, en muchas ocasiones, comprar a los judíos para salvarlos de su cruel destino en aquella época.
HISTORIA
Incluso antes de su estreno, algunos medios de prensa ya mencionaban La lista de Schindler como favorita para un gran número de premios. Además de ser un éxito de taquilla, consiguió decenas de premios, entre los que se cuentan 7 premios Oscar (mejor película, mejor director, mejor guión adaptado, mejor montaje, mejor banda sonora, mejor dirección artística y mejor fotografía). Determinados supervivientes del Holocausto (algunos de los cuales dijeron estar en la misma lista a la cual hace mención la película) dijeron que era una detallada reconstrucción de los hechos ocurridos 50 años atrás.
El director y productor trabajó en La lista de Schindler durante diez años, iniciando la misma tras la finalización de E.T. en 1983. Spielberg aprendió del genocidio judío de sus abuelos, quien, según dijo él mismo, constantemente hablaban del genocidio incluso sin que ellos hubieran sido afectados personalmente. Spielberg dice: “Me he preparado para esta película durante toda mi vida”, aunque al mismo tiempo admite que encontró el judaísmo durante la filmación de la películA.
Spielberg invirtió parte de su propio dinero en la producción de la película, y tuvo algunos problemas personales durante la realización de la misma y motivados por su alta dedicación. Existe una anécdota que cuenta que la esposa del realizador judío estaba descontenta con su marido por pasar mucho tiempo en el rodaje, lejos de su familia. Un día fue a verle al trabajo, y observó el rodaje de la célebre "escena de las duchas". En dicha escena, ambientada en el campo de concentración de Auschwitz, varias mujeres judías son obligadas a entrar desnudas en una gran sala atestada de duchas, con el consiguiente suspense para ellas de si los nazis pretenden gasearlas o solo lavarlas. Spielberg declara que, tras ver la escena, su mujer comprendió la magnitud de lo que el popular cineasta estaba intentando, y pasó a ser más comprensiva con él.
La lista de Schindler está basada en la novela de Thomas Keneally, El arca de Schindler, aunque presentada como una obra de ficción, cuenta la actuación del empresario Oskar Schindler ante el genocidio practicado por los nazis.
A partir de este material, el guionista Steven Zaillian creó el texto que luego se transformaría en la película. La productora Universal Pictures anuncia la película como basada en hechos históricos.
Nacido en la localidad de Fuencaliente, Islas Canarias, Saúl Santos Díaz con sus 27 años de edad y una sólida formación en fotografía y en diseño gráfico, anda viajando con su cámara a cuestas para registrar de manera personal y con una técnica depurada los paisajes que se van dibujando ante sus ojos.
Diversas ciudades y paisajes de Europa, y ahora la geografía argentina, han sido sujeto de su mirada. Ha recorrido desde la Patagonia hasta las provincias calidas del litoral y el Noroeste a lo largo de 2007.
En su formación inicial estudio decoración, pero a partir de 1999 se adentro de lleno a la fotografía, primero en la Escuela de Artes de Santa Cruz de La Palma para después, en el 2003, obtener un Master den Diseño gráfico y multimedia. Su extenso currículo destaca sus estudios en retoque digital y digitalización de imágenes, que le permitieron acceder a otro master, esta vez en Diseño y comunicación gráfica, en el CEV de Madrid. Desde 2000 trabaja como fotógrafo, realizando diversas actividades y reportajes para todo tipo de instituciones. Sus imágenes y reportajes ya aparecen en calendarios, carteles y portadas de revistas tanto nacionales como internacionales. Su obra ha sido expuesta en numerosos rincones de del territorio español y recientemente en el Casal de Cataluña en Buenos Aires.
El Gran Telescopio Canarias (conocido también como GTC o GRANTECAN) es un proyecto español, que culminó con la construcción del mayor telescopio óptico del mundo. Liderado por el Instituto de Astrofísica de Canarias, el telescopio realizó la primera luz oficial en la madrugada del 13 al 14 de julio de 2007 y comenzó su producción científica a principios del 2009. El 24 de julio de 2009 fue inaugurado oficialmente por los Reyes de España. Las obras comenzaron en el año 2000 en el Observatorio del Roque de Los Muchachos, La Palma, Islas Canarias, España. Dichas instalaciones, que se encuentran a 2.396 msnm de altitud, junto con el Observatorio del Teide, constituyen el Observatorio Norte Europeo (O.N.E.). En este lugar se reúnen condiciones óptimas para la observación, debido a la calidad del cielo y a la existencia de una ley que lo protege.
En 1994 se creó la sociedad anónima GRANTECAN, S.A. para el fomento del proyecto y la construcción del GTC. Esta empresa fue impulsada por el gobierno autonómico de Canarias y el gobierno de España. El GTC tiene carácter internacional, habiéndose firmado acuerdos para la participación en el proyecto de México, a través del Instituto de Astronomía de la Universidad Nacional Autónoma de México y del Instituto Nacional de Astrofísica, Óptica y Electrónica de Puebla, México. Además de estas instituciones también Estados Unidos es socio de este proyecto a través de la Universidad de Florida. La participación extranjera está limitada a un máximo de un 30%.
Con este telescopio se podrá conocer más sobre los agujeros negros, las estrellas y galaxias más alejadas del Universo y las condiciones iniciales tras el Big Bang. Se espera que el telescopio realice importantes avances en todos los campos de la astrofísica.
El Discobolo es una escultura realizada por Mirón de Eleuteras en torno al 455 a. C., que representa a un atleta justo en el instante anterior a lanzar un disco.
Hay quien interpreta que la figura representa al héroe «Hyakinthos» (Jacinto); amado por Apolo, el cual le habría matado de forma involuntaria con un disco. Después, con su propia sangre habría creado la flor del mismo nombre. De este asunto existe un gran cuadro, pintado por Giambattista Tiepolo, en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Mirón representa el cuerpo en el momento de su máxima tensión; ese esfuerzo no se refleja sin embargo en el rostro, que muestra solo una tenue concentración. La torsión del cuerpo, es vigorosa, pero al mismo tiempo armoniosa y delicada. Todo el cuerpo está echado hacia delante, para producir con el balanceo posterior el impulso necesario para poder lanzar el disco.
Como casi todas las esculturas griegas, actualmente no subsiste el ejemplar original, seguramente realizado en bronce, y la obra se conoce por múltiples copias en mármol talladas en época romana. De entre estas copias que han sobrevivido una de las más famosas es la primera en ser descubierta en la época moderna, en la Villa Palombara propiedad de la familia Massimo, en 1781. Esta copia es conocida como Lancelotti. Actualmente se encuentra en el Museo Nazionale Romano de Roma.
Otra copia notable fue descubierta en 1790, y procede de la Villa Adriana de Tívoli. Esta escultura es propiedad del Museo británico desde 1805, en donde se encuentra a la vista del público. Hasta octubre de 2009 estará expuesto como préstamo en el Museo Arqueológico de Alicante MARQ.
El Museo Nacional del Prado, ubicado en Madrid (España), es una de las pinacotecas más importantes del mundo, singularmente rica en cuadros de maestros europeos de los siglos XVI al XIX. Su principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, Goya, Tiziano y Rubens, de los que posee las mejores colecciones que existen a nivel mundial, a lo que hay que sumar las colecciones de autores tan importantes como El Greco, Murillo, José de Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto, Van Dyck o El Bosco, por citar sólo los más relevantes. Las habituales limitaciones de espacio explican que el museo exhiba una selección de obras de máxima calidad (unas 900 pinturas), del total de 7.800 que tiene en su inventario, y que por ello sea definido como «la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado». Gracias a la reciente ampliación de Rafael Moneo, se prevé que la selección expuesta crezca en un 50%, con unas 450 obras más.
Al igual que otros grandes museos europeos, como el Louvre de París y los Uffizi de Florencia, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red de alianzas y enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica, insuperable en determinados artistas y estilos, y débil en otros. Sólo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar las ausencias más notorias.
Las escuelas pictóricas de España, Flandes e Italia (sobre todo Venecia) ostentan el protagonismo en el Prado, seguidas por el fondo francés, más limitado si bien incluye buenos ejemplos de Nicolas Poussin y Claudio de Lorena. La pintura alemana cuenta con un repertorio discontinuo, con cuatro obras de Durero y múltiples retratos de Mengs como principales tesoros. Junto con un repertorio británico limitado, circunscrito casi al género del retrato, hay que mencionar la pintura holandesa, una sección no demasiado amplia pero que incluye a Rembrandt.
El Prado no es un museo enciclopédico al estilo del Museo del Louvre, la National Gallery de Londres, o incluso, a una escala mucho más reducida, el vecino Museo Thyssen-Bornemisza, que tienen obras de prácticamente todas las escuelas y épocas, sino una colección intensa y distinguida, formada por unos pocos reyes aficionados al Arte, donde muchas de las obras fueron creadas por encargo directo. El núcleo de obras procedente de la Colección Real se ha ido complementando con aportaciones posteriores, que apenas han desdibujado su perfil inicial. Muchos expertos la consideran una colección «de pintores admirados por pintores», enseñanza inagotable para nuevas generaciones de artistas, desde Manet y Toulouse-Lautrec, que visitaron el museo en el siglo XIX, hasta Dalí y Antonio Saura, quien decía: «Este museo no es el más extenso, pero sí el más intenso».
Aunque sean aspectos menos conocidos, cuenta también con una importante sección de Artes Decorativas (Tesoro del Delfín) y con una destacada colección de esculturas greco-romanas. Junto con el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Reina Sofía, el Museo Nacional del Prado forma el Triángulo del Arte, meca de numerosos turistas de todo el mundo. Esta área se enriquece con otras instituciones cercanas: el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y otros pequeños museos.
HISTORIA
El edificio que alberga el Museo del Prado fue concebido inicialmente por José Moñino y Redondo, conde de Floridablanca y Primer Secretario de Estado del rey Carlos III, como Gabinete de Historia Natural, en el marco de una serie de instituciones de carácter científico (pensadas según la nueva mentalidad de la Ilustración) para la reurbanización del paseo llamado Salón del Prado. Con este fin, Carlos III contó con uno de sus arquitectos predilectos, Juan de Villanueva, autor también del vecino Jardín Botánico.
El proyecto arquitectónico de la actual pinacoteca fue aprobado por Carlos III en 1786. Supuso la culminación de la carrera de Villanueva y una de las cimas del neoclasicismo español, aunque dada la larga duración de las obras y avatares posteriores, el resultado definitivo se apartó un tanto del diseño inicial.
Las obras de construcción se desarrollaron durante los reinados de Carlos III y Carlos IV, hasta el punto de que el edificio quedó prácticamente finalizado a principios del siglo XIX. Pero la llegada de las tropas francesas a España y la guerra de la Independencia dejaron su huella en él; se destinó a fines militares (cuartel de caballería) y cayó en un estado casi de ruina total. Las planchas de plomo de los tejados fueron fundidas para la fabricación de balas.
Sólo gracias al interés manifestado por Fernando VII y, sobre todo, de su segunda esposa Isabel de Braganza, se inició, a partir de 1818, la recuperación del edificio, sobre la base de nuevos diseños del propio Villanueva, sustituido a su muerte por su discípulo Antonio López Aguado.
El 19 de noviembre de 1819 se inauguraba discretamente el Museo Real de Pinturas (primera denominación del museo), que mostraba algunas de las mejores piezas de las Colecciones Reales Españolas, trasladadas desde los distintos Reales Sitios. Fallecida la reina meses antes, en reconocimiento de su labor se bautizaría con su nombre al salón ovalado (actual Sala 12, de Velázquez) que en aquel entonces tenía un balconaje desde el cual se podía observar la galería de escultura de la planta baja (luego convertida en salón de actos y actual Sala de las Musas). En este comienzo el museo contaba con 311 cuadros expuestos en tres salas, todos ellos de pintores de la escuela española, aunque almacenaba muchos más. En años sucesivos se irían añadiendo nuevas salas y obras de arte, destacando la incorporación de los fondos del Museo de la Trinidad, creado a partir de obras de arte requisadas en virtud de la Ley de Desamortización de Mendizábal (1836). Dicho museo fue absorbido por el Prado en 1872.
Tras el destronamiento de la reina Isabel II de España en 1868, el Museo Real pasó a ser nacional, medida ya irreversible tras absorber al de la Trinidad. Después se fueron integrando en él otras instituciones, entre la que destaca especialmente el Museo Nacional de Arte Moderno en 1971 —cuya sección del siglo XX se integra hoy en el Museo Reina Sofía—. La incorporación de las colecciones del Museo de Arte Moderno, trajeron aparejado, además, el ingreso de las colecciones de otros museos más, por entonces también desaparecidos: el Museo de Ultramar y el Museo Iconográfico, que obligarían a la institución a incrementar su política de difusión de fondos, mediante la creación de depósitos estables de obras de arte en otras instituciones publicas y privadas, dentro y fuera de la Península.
Durante el siglo XIX y buena parte del XX, el Prado vivió una situación de cierta precariedad, pues el Estado le brindó un apoyo y recursos insuficientes. Las deficientes medidas de seguridad, con una parte del personal del museo residiendo en él y montones de leña almacenados para las estufas, provocaron la alarma de algunos entendidos. Fue muy sonado el artículo ficticio de Mariano de Cavia de 1891, que informaba de un incendio que había arrasado el Prado. Los madrileños se acercaron al lugar alarmados, y la falsa noticia ayudó a la adopción de algunas mejoras de urgencia.
A pesar de diversas ampliaciones de alcance menor, el Prado sufría limitaciones de espacio, más graves a partir de los años 60, cuando el boom turístico disparó el número de visitantes. Poco a poco, la pinacoteca se adaptó a las nuevas exigencias técnicas; el sistema de filtraje y control del aire se instaló en los años 80, coincidiendo con la restauración de muchas pinturas de Velázquez. El tejado, construido con materiales dispares y mediante sucesivos remiendos, sufrió ocasionales goteras, hasta que en 1995 se convocó un concurso restringido para su remodelación integral, ganado por los arquitectos Dionisio Hernández Gil y Rafael Olalquiaga, ejecutándose las obras entre 1996 y 2001.
En 1995, un acuerdo parlamentario suscrito por los dos principales partidos, PP y PSOE, puso al museo a salvo de los vaivenes políticos y proporcionó la calma necesaria para un proceso de modernización, que incluía cambios jurídicos además de la ampliación. Ésta, tras un controvertido concurso de ideas, fue adjudicada al arquitecto Rafael Moneo, ya bien conocido en estas lides por sus trabajos en el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida y el Museo Thyssen-Bornemisza.
Smallville es una serie de televisión estadounidense desarrollada originalmente por los escritores y productores Alfred Gough y Miles Millar, que se estrenó el 16 de octubre de 2001. Inicialmente fue difundida por The WB. Durante su quinta temporada, The WB y UPN se fusionan para formar The CW, que es el actual difusor del show en los Estados Unidos. [1] También se emite en España por TVE 2 y en Latinoamérica por Warner Channel. Se filma actualmente alrededor de Vancouver, British Columbia, Canadá.
La serie narra las aventuras del joven Clark Kent en el pueblo ficticio de Smallville, Kansas, durante los años antes de que él se convierta en Superman. Las primeras cuatro temporadas se centran en Clark y sus amigos durante la secundaria. A partir de la Quinta Temporada, la serie cambia de concepto con situaciones más adultas, y la inclusión de elementos como la La Fortaleza de la Soledad, La Zona Fantasma.... También aparecen otros personajes DC, tanto superhéroes como villanos. El episodio piloto rompió el récord de más alto rating para el debut en The WB, con 8,4 millones de televidentes en sintonía. Actualmente se emite la novena temporada.
Desde su lanzamiento, esta serie ha ganado distinciones que van desde premios Emmy a Teen Choice Awards. En la actualidad, ocho temporadas de Smallville están disponibles en DVD en las regiones 1, 2 y 4.
DESARROLLO
Originalmente, Tollin/Robbins Productions quería hacer una serie sobre un joven Batman. Sin embargo, The WB decidió desarrollar la película Batman Inicia y como no querían competir con una serie de televisión, tuvo la idea de crear otra serie. En 2000, Tollin/Robbins Productions le sugirió a Peter Roth, Presidente de Warner Bros Televisión, el desarrollo de una serie basada en un joven Superman. Luego de reunirse con Roth, Gough y Millar idearon el concepto “No Vuelos, No Mallas”, dando a entender que se presentarían los acontecimientos que llevaron a Clark a convertirse en Superman. y qué es lo que realmente lo motiva a llevar dos identidades.
El equipo de producción decidió iniciar la serie con la típica historia de Superman.: la lluvia de meteoritos. Esta situación no solamente sería la principal fuente de creación de los poderes de Clark y su vida en la Tierra, sino de tener relación con la muerte de los padres de Lana Lang y la pérdida de cabello de Lex Luthor. Una controversia de la participación de Lex dentro de la serie es: ¿Por qué debería socializarse con adolescentes? Para abordar esta cuestión, se decidió crear un sentimiento de soledad en él, reforzada por la pésima relación con su padre y su excentricidad. Esta soledad se sació con la inestimable amistad que comparte tanto con Clark como con Lana en las primeras cuatro temporadas. Así, Gough y Millar crearon una diferencia entre los padres adoptivos de Clark y el padre de Lex, Lionel Luthor en el tema de la crianza de los hijos, hecho que se evidencia en el final del octavo episodio de la primera temporada.
Otra controversia es la creación de un personaje inédito, Chloe Sullivan, uno de los personajes más queridos de la serie, quien se vuelve la confidente de Clark a partir de la Quinta Temporada; y la serie cambió radicalmente de concepto con la aparición de Lois Lane y Jimmy Olsen, quienes según la leyenda original de Superman, ellos y Clark sólo se conocen hasta después que éste se mudara a Metrópolis.
El 3 de abril de 2008, después de siete temporadas, Gough y Millar anunciaron que se retirarían de Smallville y reconocieron que nunca dejaron de luchar por lo que consideraban "su" visión de la serie. No se dió una razón específica para su salida.
La vita è bella (en español La vida es bella) es una película italiana de 1997 en el que narra cómo un italiano judío, Guido Orefice (interpretado por Roberto Benigni, también director y coescritor del film), inventa una especie de historia romántica como contraposición al terrible mundo que les rodea tanto a él como a su hijo.
ARGUMENTO
La vida es bella habla de Guido, un hombre italiano descendiente de judíos, que vive en la ciudad de Arezzo en el año 1939. La película se ambienta en el período de la Segunda Guerra Mundial cuando está en el poder el fascismo y el antisemitismo que está creciendo cada día más. Guido se enamora y después se casa con Dora, la ex-novia de un oficial fascista. Con ella tiene un hijo llamado Josué.
La felicidad de esta familia dura poco porque Guido, su tío y Josué son deportados a un campo de concentración nazi. Dora, que no fue llamada para subirse al tren que conduce al campo, se introduce voluntariamente en él con lo que toda la familia acabará en dicho campo. Allí Guido hace creer a su hijo Josué que todo se trata de un juego en el que sólo ganará si no se deja ver por los "gruñones" guardias alemanes. Cada día inventa nuevos juegos para su hijo y utiliza toda su imaginación para salvar la vida de Josué y que este no vea lo que está pasando. El niño, tentado por el tanque que, según su padre, se llevará el ganador, vive el holocausto como un juego, sin darse cuenta de las barbaridades que ocurren a su alrededor, todo ello gracias al ingenio de Guido.
PREMIOS
Esta película fue ganadora de más de 40 premios internacionales, incluyendo 3 premios Óscar.
Mejor película Premio del cine europeo, Londres, 1998. Premio del Jurado en el Festival de Cannes en 1998. Premio de audiencia en el Festival de Cine Internacional de Atenas en 1998. Premio de audiencia en el Festival de Cine Internacional de Varsovia en 1998. Premio a la película más popular en el Festival de Cine Internacional de Vancouver en 1998. Premio del Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine al mejor actor, mejor director, mejor historia original y mejor guión, en 1998. Premio César a la mejor película extranjera en 1999. Premio Goya a la mejor película extranjera en 1999. Premio del Cine Alemán a la mejor película extranjera en 1999. Premio del Instituto de Cine Australiano a la mejor película extranjera en 1999. Óscar al mejor actor, mejor película extranjera y mejor música original en 1999.
Dirección: Clint Eastwood. País: USA. Año: 2004. Duración: 137 min. Género: Drama. Interpretación: Clint Eastwood (Frankie Dunn), Hilary Swank (Maggie), Morgan Freeman (Eddie Scrap-Iron Dupris), Jay Baruchel (Danger Barch), Mike Colter (Big Willie Little), Lucia Rijker (Billie), Brian O'Byrne (Padre Horvak), Anthony Mackie (Shawrelle Berry), Margo Martindale (Earline Fitzgerald), Riki Lindhome (Mardell), Michael Peña (Omar), Bruce McVittie (Mickey Mack). Guión: Paul Haggis; basado en relatos recogidos en "Rope burns" de F.X. Toole. Producción: Clint Eastwood, Albert S. Ruddy, Tom Rosenberg y Paul Haggis. Música: Clint Eastwood. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Joel Cox. Diseño de producción: Henry Bumstead. Dirección artística: Jack G. Taylor. Vestuario: Deborah Hopper. Estreno en USA: 15 Diciembre 2004. Estreno en España: 4 Febrero 2005.
ARGUMENTO
La película cuenta la historia de Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), una camarera de 31 años, que desea ser boxeadora profesional. Diariamente se entrena en el gimnasio de Frankie Dunn (Clint Eastwood), un entrenador cuyo deseo es que su protegido, Willie (Mike Colter), sea campeón. En el mismo gimnasio también trabaja Eddie "Scrap-Iron" Dupris (Morgan Freeman), un antiguo boxeador ciego de un ojo, y viejo amigo de Frankie.
Al principio, Maggie intenta sin éxito que Frankie la entrene, pero éste le rechaza continuamente, inclusive cuando Dupris intercede en su favor. Cuando Willie deja a Frankie por otro manager llamado Mickey Mack dos peleas antes del título, Frankie finalmente accede a entrenar a Maggie hasta su primera pelea. No obstante, Frankie entrega a Maggie a otro entrenador, ya que ella estaba impaciente por pelear y Frankie consideraba que todavía no estaba lista.
Durante la pelea, Frankie descubre que el entrenador de Maggie ha hecho un trato con el entrenador de su oponente, por lo que Frankie recupera el control de Maggie durante la pelea, que estaba perdiendo, y gracias a su ayuda, logra recuperarse y ganar. Finalmente, Frankie acepta entrenar a Maggie, si bien deja claro, que esto es de carácter temporal. Mientras Maggie entrena, se revela que Frankie tiene una hija a la que escribe frecuentemente sin obtener respuesta, ya que, por razones no especificadas, ella está enfadada con su padre desde hace varios años. Además, se revela también que el padre de Maggie murió hace varios años, y pronto se forma una relación padre-hija entre Frankie y Maggie.
Al ir ganando más peleas, Maggie gana más dinero, que ahorra para comprar a su madre una casa, ya que esta vivía con otra hija y un nieto en un parque de caravanas. No obstante, después de burlarse de la profesión de Maggie, la madre le recrimina el hecho de haberle regalado una casa, ya que si el gobierno se entera, perdería las ayudas sociales que recibe. Durante el viaje de regreso, Maggie lleva a Frankie a un restaurante donde venden Pastel de limón casero, y le cuenta acerca de un perro enfermo que tuvieron, y que su padre mató al empeorar su salud.
Al aumentar su fama, Maggie realiza un tour por Europa, donde una racha de victorias la vuelve aún más popular. Maggie es reconocida en Europa por el sobrenombre de Mo Cuishle, una frase gaélico ideada por Frankie, cuyo significado Maggie desconoce. Finalmente, Frankie permite que Maggie luche por el título femenino de peso Welter contra la actual campeona Billie "La Osa Azul" (Lucia Rijker, boxeadora en la vida real), una ex-prostituta de Alemania Oriental conocida por pelear sucio.
La pelea ocurre en Las Vegas, y aunque inicialmente Billie parece ganar la pelea, Maggie se recupera gracias a los consejos de Frankie. Cuando termina un asalto, Maggie se vuelve para dirigirse a su esquina, dándole la espalda a La Osa, la cual aprovecha para golpear por la espalda a Maggie, que cae sobre el banco de su esquina, partiéndose la columna a la altura del cuello.
Maggie queda tetrapléjica, inmóvil de cuello para abajo y con necesidad de un respirador. Frankie pasa todo su tiempo al lado de su cama en el hospital y hace que la trasladen para estar más cerca de su casa, donde permanece a su lado. La familia de Maggie anuncia que van a visitarla, incluyendo a su hermano que acababa de salir de prisión. Sin embargo, acuden al hospital varios días después de haber llegado a la ciudad, vestidos con camisetas de parques de atracciones que han visitado antes de ir a ver a Maggie, y con un abogado. Sus familiares intentan convencerla de que los haga responsables de sus bienes, pero Maggie descubre finalmente el verdadero carácter de su familia y los rechaza. Desde entonces, Frankie queda sólo con Maggie, a la cual le amputan una pierna al sufrir en ella una gangrena.
Con el tiempo, Maggie le pide a Frankie que la mate, ya que ya había realizado su mayor deseo, que era ser una boxeadora famosa y conocer el mundo. Frankie se horroriza ante tal proposición, pero después de varios intentos de suicidio por parte de Maggie (mordiéndose la lengua), finalmente accede. Le desconecta el respirador que le proporciona oxígeno y le inyecta una sobredosis de adrenalina a Maggie, quien muere. Durante la inyección, Frankie revela a Maggie el significado de Mo Cuishle: "mi niña, mi sangre". El narrador de la película, que no es otro que Dupris, dice que después Frankie desapareció. La narración resulta ser una carta que Dupris está escribiendo a la hija de Frankie, en un intento de mostrarle "la clase de hombre que era" su padre. La última escena da a entender que Frankie está en el restaurante donde comió con Maggie Pastel de limón durante uno de sus viajes.
La resolución final del relato despertó críticas en Estados Unidos por parte de grupos de activistas y de la derecha católica norteamericana por considerar que avalaba la eutanasia.
Gran Torino es una película estadounidense de género dramático del año 2008, dirigida, producida y protagonizada por Clint Eastwood. La película marca el regreso de Eastwood a un papel estelar después de cuatro años; su último papel estelar fue en la película Million Dollar Baby en el año 2004. La película cuenta con un elenco predominantemente Hmong, así como la actuación del hijo menor de Eastwood, Scott Eastwood, y del hijo mayor, Kyle Eastwood. La película se estrenó en algunos cines de Estados Unidos el 12 de diciembre de 2008, y más tarde en el resto del país el 9 de enero de 2009.
Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un jubilado polaco-americano que vive con su perra Daisy en Highland Park (Michigan). Además Kowalski es un veterano de Korea, lo cual le marca mucho a la hora de actuar. Kowalski descubre a su nuevo vecino adolescente hmong intentando robar su Gran Torino para pertenecer a una banda, y que él y su hermana están siendo presionados por la susodicha. Walt decidirá ayudar, a su manera, a los dos jóvenes.
Gran Torino fue dirigida por Clint Eastwood y escrita por Nick Schenk. Fue producida por Village Roadshow Pictures, Magik Media Entertainment y Malpaso Productiones, la compañía Warner Bros. se encargó de la distribución de la película. El guión original se inspiró en los suburbios de las afueras de Minneapolis, Minnesota, pero los cineastas decidieron producir Gran Torino, en el estado de Míchigan, siendo una de las primeras películas en aprovechar la nueva ley del estado sobre los paquetes de incentivos para las producciones cinematográficas. El rodaje comenzó en julio de 2008.[6] Algunos lugares incluidos en la filmación fueron Highland Park, Detroit, Center Line, Warren, Royal Oak, y Grosse Pointe Park, Michigan. Gran parte de la comunidad Hmong fue utilizada como extras.
Titanic es una película de 1997 escrita, producida y dirigida por James Cameron sobre el hundimiento del barco RMS Titanic. Está protagonizada por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet como Jack Dawson y Rose DeWitt Bukater respectivamente, miembros de diferentes estratos sociales que se enamoran durante el fatídico viaje inaugural del barco en 1912. La película está co-protagonizada por Billy Zane que interpreta el papel de Caledon Nathan Hockley, prometido de Rose, Bill Paxton que interpreta a Brock Lovett, líder de una moderna expedición cazatesoros y Gloria Stuart, que da vida a la anciana Rose, en el año 1995.
Los personajes principales y la historia de amor son ficticios, pero muchos de los personajes secundarios (como los miembros de la tripulación y algunos de los viajeros de primera y segunda clase) están basados en personajes históricos reales, así como las tomas del barco en fondo del Atlántico que abren la película.
La película tuvo un gran éxito de crítica y público, ganando 11 premios Oscar, incluyendo Mejor Película, y convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos, con una recaudación mundial de más de $1,800 millones de dólares.[1]
SINOPSIS
En 1995, el cazatesoros Brock Lovett (Bill Paxton) y su equipo exploran los restos del Titanic buscando un collar, el "Corazón del Mar". En medio de su búsqueda estos descubren un dibujo de una mujer joven reclinada y desnuda, que lleva puesto aquel collar firmado el día del hundimiento del Titanic. La noticia del descubrimiento del dibujo aparece en televisión, llamando la atención una mujer, Rose Dawson Calvert (Gloria Stuart), próxima a los 101 años. Junto a su nieta Lizzy Calvert , vuela hasta el barco de Lovett. Allí les informa de que ella es la mujer del dibujo y les relata sus recuerdos, cuando ella era la joven de 17 años Rose DeWitt Bukater (Kate Winslet).
Rose DeWitt Bukater embarca en el RMS Titanic junto a su madre Ruth DeWit Bukater (Frances Fisher), su prometido Cal (Billy Zane) y cientos de personas con destino a Nueva York. Cal es heredero de una gran fortuna, y la madre de Rose la ha obligado a casarse con él para recuperar la fortuna y el renombre que un día tuvieron, pues su fallecido padre las ha dejado con un buen apellido y un sin fin de deudas. Mientras tanto, en un bar del puerto, el joven Jack Dawson (Leonardo DiCaprio) y su amigo Fabrizio (Danny Nucci) están jugando una partida de póker en la que el ganador se llevará unos pasajes de tercera clase en el Titanic. Jack gana, y él y Fabrizio se dirigen rápidamente al barco, al que logran subir en el último momento.
Rose es una chica que vive bajo las órdenes de su madre, pero que en el fondo quisiera no pertenecer a ese mundo. Es una muchacha libre, alegre, apasionada y que sueña con amar de verdad, pero que está amarrada de por vida a un hombre a quien no ama. Esta situación provoca que Rose comience a replantearse cómo va a ser su vida, y opta por elegir el camino menos deseado. Cuando está a punto de saltar del barco y acabar con su vida y el futuro que le espera, aparece Jack, que la convence para que no salte del barco. Sin embargo, ocurre un contratiempo, y Rose está a punto de caer, por lo que le grita suplicándole ayuda. Jack logra rescatarla, pero en el momento en que lo hace llegan las autoridades del barco, alertados por los gritos de la muchacha, y viendo una escena confusa, creen que Jack ha intentado abusar sexualmente de ella y le detienen. La intervención de Rose, justificándose con una mentira, salva a Jack de ir preso, y como agradecimiento, le invitan a compartir la cena con ellos y contar su hazaña.
Jack recibe la ayuda de una simpática mujer llamada Margaret Brown (Kathy Bates), a quien todos llaman Molly, que le presta un frac de su hijo. Jack se muestra muy tranquilo, sin saber al grupo de aristócratas al que se enfrenta. La velada transcurre sin problemas, salvo comentarios groseros y subidos de tono de la madre de Rose, y éste con sus palabras, demuestra que a pesar de ser la persona más pobre de la mesa, es también la más carismática, sincera y astuta. Rose también se da cuenta de ello, por lo que acude a la invitación secreta que este le hace después de acabar la cena. Jack la lleva a una verdadera fiesta, la de tercera clase, donde todos bailan y se divierten al son de una alocada música que no tendría cabida en el mundo de Rose. Ella, gracias a sus ideales, muy diferentes a los que tienen los que la rodean, se divierte como nunca junto a Jack y su gente, y descubre que en el fondo, ellos llevan una vida más alegre que todos los millonarios que abundan en el trasatlántico.
El mayordomo de Cal, Lovejoy (David Warner), que tiene una mala impresión de Jack, les sigue y descubre la fiesta. Así que decide hacérselo saber a su jefe, y este le pone al acecho para que siga a Rose y le informe de lo que hace. Rose es obligada por su madre y por Cal a dejar de ver a Jack, por lo que la joven entiende que sería lo mejor para limpiar el nombre de su padre y salvar sus negocios. Así se lo hace saber a Jack, pero, aunque no está conforme, este le confiesa su amor, y le asegura que entiende que decida dejarle, pues no tiene ningún futuro que ofrecerle. Sin embargo, Rose pronto cambia de opinión, dándose cuenta de que, aunque es pobre, Jack es la persona más humana, sensata y digna de su amor. Por ello, decide demostrárselo. Y lo busca en la proa, allí se dan su primer beso, en medio de la puesta de sol. Rose le lleva a su camarote y le pide que la dibuje como a “una de sus chicas francesa”, usando solo el “Corazón del Mar”, que Cal le había dado como regalo de compromiso. Pronto tendrán que huir de las persecuciones de Lovejoy. Los jóvenes descienden por las bodegas y llegan al cargamento, donde se refugian en el Renault de William Carter, en donde se dejan llevar por su pasión y se entregan el uno al otro. Al subir a la cubierta Rose le asegura a Jack que cuando lleguen a Nueva York se escapará con él.
En la cubierta, son testigos de la colisión del barco contra un iceberg, que lo daña sin remedio. Mientras tanto, Cal descubre el dibujo que Jack le hizo a Rose, y decide vengarse acusándolo de haber robado el "Corazón del Mar", la policía del barco lo detiene y lo esposa en una tubería de su oficina. Mientras tanto, el ingeniero y constructor del barco, Thomas Andrews (Victor Garber) analiza los daños y comunica al capitán Edward John Smith (Bernard Hill) y al presidente de la White Star Line, Bruce Ismay (Jonathan Hyde) que hay cinco compartimentos hundidos, uno más de los que el Titanic puede soportar para mantenerse a flote, por lo tanto, el hundimiento es inevitable. Rose asegura que Jack no ha sido, pues ha estado con ella todo el tiempo, pero Cal consigue que crea en él y se la lleva para que embarque en uno de los botes salvavidas y se salve. Pero Rose se da cuenta de que el hombre de su vida está en peligro de morir ahogado, y corre a buscarlo. Tras intentos de pedir ayuda en vano, empuña un hacha para incendios y libera a Jack.
Ahora, Jack y Rose deben luchar para encontrar una salida, pero descubren que se encuentran encerrados en tercera clase junto a más pasajeros. Jack, junto a sus dos amigos Fabrizzio y Tommy, rompe la reja que los aprisiona, ayudados por un banco. Cal y Jack tratan de persuadir a Rose para que suba a un bote; pero dándose cuenta de que no puede dejar a Jack, salta del bote y se reúne con Jack en la escalera de primera clase. Enojado, Cal coge la pistola de Lovejoy y los persigue escaleras abajo, hasta el salón comedor de primera clase. Una vez que se queda sin munición, se da cuenta que ha puesto accidentalmente el diamante en un abrigo que le dio a Rose. Cal ve a una niña pequeña y la coge fingiendo ser su padre, gracias a lo cual le dejan subir a un bote. Este bote es uno de los dos únicos que quedan en el barco. Cuando Jack y Rose suben de nuevo a la cubierta, ya no quedan botes, así que deciden quedarse en el barco durante el mayor tiempo posible, dirigiéndose hacia la popa del barco. Finalmente, el barco se parte y comienza su descenso final, lanzando a todos a las heladas aguas del Atlántico Norte. Jack y Rose se separan bajo las aguas, pero rápidamente se vuelven a reunir. Alrededor de ellos, más de un millar de personas están muriendo por ahogamiento o hipotermia.
Mientras, en un bote, "Molly" Brown trata de convencer al Timonel Robert Hitchens de volver y rescatar gente pero no lo logra. entonces Jack ayuda a subir a Rose a un panel procedente del barco, pero él no puede subir. Mientras están allí, Jack le hace prometer a Rose que nunca se rendirá, que pase o que pase, luchará por sobrevivir. Cuando el Quinto Oficial Harold Lowe (Ioan Gruffudd) vuelve con el bote vacío a rescatar gente del agua, Rose trata de despertar a Jack, pero se da cuenta de que éste ha muerto en el agua helada. Ella pierde toda esperanza, y quiere quedarse y morir con Jack, pero recuerda la promesa que le habia hecho , así que empieza a llamar a Lowe, mientras el bote se aleja sin escuchar sus gritos.
Manteniendo su promesa, despega la mano de Jack de la suya, dejando desaparecer su cuerpo en el océano. Arrojándose al agua, coge el silbato de un oficial muerto, y sopla hasta que los del bote lo oyen, y vuelven a recogerla; tan sólo seis personas más son salvadas, contándola a ella; los botes son recogidos por el Carpathia. A bordo del Carpathia, Rose ve a Cal buscarla entre los supervivientes de tercera clase. Tapándose la cara, evita que él la vea. Esa es la última vez que Rose ve a Cal. Cuando el Carpathia está llegando a Nueva York, Rose se registra como Rose Dawson, y, presumiblemente, comienza su propia vida.
A través de la anciana Rose, conocemos que Cal se casó con otra mujer y se suicidó durante el crack del 29. La historia subsiguiente de la madre de Rose, que escapó en un bote salvavidas, no es relatada. Después de completar la historia, la anciana Rose camina sola por la cubierta del barco de Lovett, hacia popa. Tras subirse a la valla, se revela que Rose sigue conservando el "Corazón de la Mar". Lo arroja al mar, para que se una a los demás restos del acontecimiento más importante de su vida. Ha mantenido la promesa que le hizo a Jack de no rendirse jamás. Después de esto Rose se encuentra tumbada en su cama con los ojos cerrados, cerca de las fotografías que muestran los logros que ha conseguido a lo largo de su vida. Se deduce que ahí, Rose exala su último suspiro antes de caer al sueño eterno. Entonces se muestran los restos del Titanic hundido, que en otra vida, se restauran al tiempo que el alma de Rose se mueve por ellos. Seguido de esto se ve a Jack y todos los "buenos", los "justos" de los que murieron en el hundimiento, y solo a estos, como si fuera el cielo donde las almas buenas residen. Jack y Rose se abrazan y besan, y todos aplauden el encuentro. Seguidamente la camara subjetiva mira hacia arriba, hacia la cupula, ahora iluminada cenitalmente, en clara representacion del Empireo de Dante, donde residen los bienaventurados en la contemplacion de Dios. Fundido a blanco, fin.
Dirección: Zack Snyder. País: USA. Año: 2006. Duración: 117 min. Género: Acción, drama. Interpretación: Gerard Butler (rey Leónidas), Lena Headey (reina Gorgo), David Wenham (Dilios), Dominic West (Theron), Vincent Regan (capitán), Michael Fassbender (Stelios), Tom Wisdom (Astinos), Andrew Pleavin (Daxos), Andrew Tiernan (Ephialtes), Rodrigo Santoro (Jerjes), Giovanni Antonio Cimmino (Pleistarchos). Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael B. Gordon; basado en la novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley. Producción: Gianni Nunnari, Mark Canton, Bernie Goldmann y Jeffrey Silver. Música: Tyler Bates. Fotografía: Larry Fong. Montaje: William Hoy. Diseño de producción: James Bissell. Vestuario: Michael Wilkinson. Estreno en USA: 9 Marzo 2007. Estreno en España: 23 Marzo 2007
ARGUMENTO
Comienza narrando la infancia de Leónidas y de su entrenamiento para ser el próximo rey. Un día, siendo ya rey de Esparta, llega a visitarlo un emisario persa del rey Jerjes. Éste le comunica la exigencia de pagar un tributo de tierra y agua como prueba de la sumisión de Esparta hacia Persia. Leónidas se niega y tira a un pozo al emisario y a sus escoltas.
Después de esto, decidido a plantarle cara al ejército persa, mandó a su capitán más fiel a que reuniese a 300 de los mejores guerreros espartanos y se dirigieron al paso de las Termópilas.
Jerjes, comienza a mandar tropas que van cayendo sucesivamente ante los trescientos guerreros espartanos ya que luchaban en lugares cuya anchura no superaba los veinte metros y así se igualaban las fuerzas.
En ese momento, Efialtes, un hombre exiliado, visita a Leónidas para ofrecerle sus servicios. Tras su rechazo visita a Jerjes, y a cambio de un uniforme, riqueza, lujos y mujeres, le cuenta el secreto para derrotar a los trescientos espartanos, la senda Anopea que lo dejara en la retaguardia de la posición de Leónidas en las Termópilas.
Leonidas al enterarse se limita a enviar a un guerrero como emisario a Esparta para avisar a su pueblo, pues ya sabe que el final es inminente.
Una vez rodeado por las tropas de Jerjes, caen los trescientos hombres en el campo de batalla.
PRODUCCIÓN
La película es una adaptación cuadro por cuadro de la historieta, similar al de Sin City. Snyder fotocopió paneles de la historieta con los cuales desarrollo las tramas anteriores y siguientes al cuadro. «Fue un proceso divertido para mí… tener un cuadro como una meta a alcanzar», explica Snyder. También rodó la película en un estilo que sería similar a la novela gráfica.
Una principal excepción a la adaptación directa fue el uso del personaje Dilos como narrador. Znyder usó esta técnica narrativa para mostrar a la audiencia que el surreal «mundo de Frank Miller» de los 300 estaba siendo relatada desde una perspectiva subjetiva. El usar el don de Dilos para contar un relato le permite a Znyder introducir elementos fantásticos al filme, explicando que «Dilos es uno que sabe como no echar a perder una buena historia con la verdad». Snyder también agrega la trama paralela con la cual la reina Gorgo intenta convocar el apoyo del consejo gobernante para su esposo.
Se requirieron dos meses de preproducción para elaborar los cientos de escudos, lanzas y espadas, de los cuales algunos fueron reciclados de Troya y Alejandro Magno. También fueron creados un lobo y trece caballos mecánicos. Los actores y los dobles fueron entrenados a la vez, y hasta Snyder los acompañó. Se crearon unas 600 piezas de vestuario, así como un extenso número de prótesis para varios personajes y para representar los cadáveres de los soldados persas.
La producción activa de 300 comenzó el 17 de octubre de 2005 en Montreal (Canadá), y fue rodada en el transcurso de 60 días en orden cronológico con un presupuesto de producción de 60 millones de dólares estadounidenses.
Utilizando la técnica croma, y con la ayuda de pantallas azules, Snyder rodó en los ahora desaparecidos Icestorm Studios en Montreal. Butler declara que aunque no se sentía restringido con la dirección de Snyder, el apego a la historieta imponía ciertas limitaciones en su actuación. Wenham menciona que hubo ocasiones en las que Snyder quería capturar momentos icónicos de la historieta con precisión, y otras cuando le daba a los actores la libertad de «explorar dentro del mundo y confines que se habían establecido». Headey comenta del uso de pantallas azules que «es muy raro, y emocionalmente no hay nada que te conecte salvo un otro actor».Sólo una escena fue rodada en exterior: cuando los caballos trotan por el campo. La película fue una producción de mucha intensidad física donde Butler sostuvo lesiones de un tendón en el brazo y de un pie.
La postproducción estuvo a cargo de Meteor Studios y Hybride Technologies de Montreal, donde se complementó el rodaje en pantalla azul con más de 1500 cuadros de efectos visuales. Chris Watts y Jim Bissell crearon un proceso llamado «The Crush» que permitiría a los artistas de Meteor manipular los colores al incrementar el contraste de claroscuros. Se desaturaron y tiñeron ciertas secuencias para establecer distintas atmósferas. Ghislain St-Pierre, quien dirigiera el equipo de artistas, describió el efecto: «Todo parece real, pero tiene un sentido áspero e ilustrativo». Se usaron varios programas de computación para crear el «rocío de sangre», incluyendo Maya, RenderMan y RealFlow. La postproducción en su totalidad tomó un año y fue manejada por diez compañías de efectos especiales.
PRECISIÓN HISTÓRICA
El director de la película, Zack Snyder, declara que «los sucesos son correctos en un 90 por ciento. Les he mostrado la película a historiadores de clase mundial que han dicho que es impresionante. No pueden creer que sea tan precisa como lo es». Continúa diciendo que la película es «una ópera, mas no un documental».
Sin embargo, Ephraim Lytle, profesor asistente de historia helénica en la Universidad de Toronto, declara que 300 idealiza la sociedad espartana de una «manera problemática e inquietante», y que además presenta a los persas como monstruos y al resto de los griegos como débiles. Sugiere que el universo moral de la película podría haber parecido tan «extraño a los antiguos griegos como a los historiadores modernos».
El historiador militar Victor Davis Hanson, quien escribió el prólogo de la reciente edición de la novela gráfica en el 2007, declara que la película demuestra una afinidad específica con el material original de Heródoto, en el sentido de que captura el ethos material de la antigua Esparta y representa las Termópilas como un «choque de civilizaciones». Menciona que Simónides, Esquilo y Heródoto veían las Termópilas como una batalla contra «el centralismo oriental y el feudalismo colectivo» lo cual se oponía a «la idea del libre ciudadano de una polis autónoma».
Sin embargo, Touraj Daryaee, profesor de historia en la Universidad de California en Fullerton, critica el tema central del filme, aquel de espartanos «libres» y «amantes de la democracia» contra «esclavos» persas. Daryaee menciona que el imperio persa de la dinastía Aqueménida contrataba y pagaba a sus trabajadores sin importar el género o ascendencia étnica, mientras que en la Grecia del siglo V «menos del 14%» de la población participaba en el gobierno democrático, y «casi el 37%» de la población eran esclavos. Así mismo declara que Esparta «era una monarquía militar, no una democracia», y que colectivamente eran propietarios de los esclavos (Ilotas), a los cuales masacraban periódicamente.
Águila roja es una serie de ficción histórica, ambientada en la España del s. XVII, producida por Globomedia para Televisión Española, que se estrenó en La 1 el jueves 19 de febrero de 2009. Su primera temporada se despidió el 21 de mayo de 2009 pulverizando sus propios récords, con casi un 30% de share, y convirtiéndose en la serie revelación y la más vista de la temporada.
Según se ha podido leer en formulatv.com, la productora ha comenzando la grabación de la segunda y tercera temporadas, que contarán con 13 nuevos episodios cada una, y la incorporación del actor José Ángel Egido
La segunda temporada comenzará en enero con una novedad: Sus capítulos se presentarán sin interrupciones comerciales, al igual que el resto de la programación de la cadena.
La serie narra las aventuras de un héroe del siglo XVII conocido como Águila Roja cuya obsesión es vengarse de los asesinos de su esposa así como las conspiraciones contra la corona de los Austrias por parte de una sociedad secreta a la que pertenecen Hernán "El comisario" y la Marquesa de Santillana, Lucrecia.
Águila Roja consiguió reunir en su primer capítulo más de cinco millones de telespectadores, lo que significó el estreno de una serie de ficción más visto en España en cuatro años, desde el estreno, en febrero de 2005, de Motivos personales. En su segundo capítulo, superó incluso, por unas décimas, el anterior resultado. El final de la primera temporada era esperado por millones de españoles y pulverizó su récord de audiencia al reunir a más de cinco millones de telespectadores y un magnífico 28,4% de share.
Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.
Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.
DESCRIPCIÓN
El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.
La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara.[4] Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.
En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:
Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Éste voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista. Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la "Pietà", esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Según la muy discutida interpretación de Juan Larrea, el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco. Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota. Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador. Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba.[cita requerida] Se ha dicho que ésta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas.[cita requerida] El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas, de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Mujer arrodillada. Desde la parte derecha entra una mujer con las nalgas al descubierto; sobre este hecho existe una anécdota que dice que con el cuadro sin terminar Pablo Picasso dijo que a la mujer le faltaba algo y fue a por un rollo de papel que le pegó en la mano, queriendo decir que el bombardeo sorprendió a la mujer en el baño.[cita requerida] Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta.[cita requerida] Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración significando probablemente la pérdida de sangre.[cita requerida] La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer. Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.[cita requerida] Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana. Casa en llamas. Además, Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas.
La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. La pintura fue exhibida en la primera exposición individual de Dalí en la Galerie Pierre Colle de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y en enero de 1932 en una exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York, Surrealism: Paintings, Drawings and Photographs.Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, donde llegó en 1934 como donativo de Helen Lansdowne Resor, magnate de la publicidad que posteriomente llegaría a ser patrona del museo; el precio pagado fue de 400 dólares. En una revisión posterior del cuadro, Dalí creó La desintegración de la persistencia de la memoria.
El cuadro fue cedido en préstamo por dos meses, del 16 de enero al 18 de marzo del 2009, al Teatro-Museo Dalí de Figueras, Girona, siendo la primera vez que ha podido verse en España.
DESCRIPCIÓN
En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad (este tipo de reloj se lleva próximo a los genitales).
Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando".
Era (es un acrónimo de Enminential Rythm of the Ancestors) es un proyecto musical del francés Eric Lévi. En este proyecto, gran parte de las canciones están basadas en el canto gregoriano medieval -en latín antiguo-, con una obvia relación a la música gregoriana. Algunos pensarían que este estilo es New Age, pero en realidad no es así. Se trata de una corriente musical que proviene del Medioevo, muchos siglos antes de que surgiera el New Age.
El Parque Güell (Park Güell en su denominación original) es un gran jardín con elementos arquitectónicos situado en la parte superior de la ciudad de Barcelona (España), en la vertiente que mira al mar de la montaña del Carmel, no muy lejos del Tibidabo. Ideado como urbanización, fue diseñado por el arquitecto Antoni Gaudí, máximo exponente del modernismo catalán, por encargo del empresario Eusebi Güell. Construido entre 1900 y 1914, fue inaugurado como parque público en 1922. En 1984 la Unesco incluyó al Parque Güell dentro del Lugar Patrimonio de la Humanidad «Obras de Antoni Gaudí».
El Parque Güell es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera década del siglo XX), periodo en que el arquitecto perfecciona su estilo personal, inspirándose en las formas orgánicas de la naturaleza, poniendo en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales originadas en sus profundos análisis de la geometría reglada. A ello añade el artista catalán una gran libertad creativa y una imaginativa creación ornamental: partiendo de cierto barroquismo sus obras adquieren gran riqueza estructural, de formas y volúmenes desprovistos de rigidez racionalista o de cualquier premisa clásica. En el Parque Güell desplegó Gaudí todo su genio arquitectónico, y puso en práctica muchas de sus innovadoras soluciones estructurales que serán emblemáticas de su estilo organicista y que culminarán en la Sagrada Familia.
El parque fue concebido por Güell y Gaudí como un conjunto estructurado donde, dentro de un incomparable marco de belleza natural, se situarían unas viviendas de alto standing, con todos los adelantos tecnológicos de la época para procurar el máximo confort, con unos acabados de gran calidad artística. Asimismo, idearon un conjunto impregnado de un fuerte simbolismo, ya que procuraron sintetizar en los elementos comunes del parque muchos de los ideales tanto políticos como religiosos que compartían mecenas y arquitecto: así, serán perceptibles en el conjunto conceptos procedentes del catalanismo político –sobre todo en la escalinata de acceso, donde se representan los Países catalanes–, y de la religión católica –en el Monumento al Calvario, ideado en principio como capilla–. También es importante el elemento mitológico: según parece, Güell y Gaudí se inspiraron en el Templo de Apolo de Delfos para su concepción del parque.
Por otro lado, numerosos expertos han querido ver en el parque una serie de referencias de variado signo, debido a la compleja iconografía aplicada por Gaudí al conjunto del proyecto urbanístico, referencias que van desde la reivindicación política hasta la exaltación religiosa, pasando por la mitología, la historia o la filosofía. En concreto, muchos estudiosos pretenden ver referencias a la masonería, hecho poco probable debido a las profundas creencias religiosas tanto de Gaudí como del conde Güell, y en todo caso no probado por ningún indicio objetivo en toda la historiografía del arquitecto modernista. La multiplicidad de símbolos desarrollada en el Parque Güell es, como se ha dicho, de signo político y religioso, en todo caso con cierto carácter mistérico debido al gusto de la época por los enigmas y acertijos.
CASA MILÁ
La Casa Milà, llamada popularmente La Pedrera (pedrera, en catalán, significa 'cantera'), es obra del arquitecto Antoni Gaudí y fue construida entre los años 1906 y 1910, en estilo modernista. Localizada en el número 92 del Passeig de Gràcia en el distrito del Eixample de Barcelona, la casa fue edificada por encargo del matrimonio Pere Milà i Camps y Roser Segimon i Artells. Gaudí contó con la colaboración de sus ayudantes Domènec Sugrañes y Josep Canaleta, así como del constructor Josep Bayó i Font, que había trabajado con Gaudí en la Casa Batlló.
El edificio, por lo innovador, es una típica obra gaudiniana en la que las líneas geométricas son sólo rectas formando planos curvos. Toda su fachada está realizada en piedra calcárea de Villafranca, salvo la parte superior que está cubierta de azulejos blancos, cuya combinación evoca una montaña nevada. En la azotea se encuentran grandes salidas de escalera rematadas con la cruz gaudiniana de cuatro brazos, y chimeneas recubiertas de fragmentos de cerámica, con la apariencia de cabezas de guerreros protegidas por yelmos.
De formas orgánicas, la Casa Milà evoca sin lugar a dudas la naturaleza: diversos estudiosos han percibido en la Pedrera formas que recuerdan los riscos de Fra Guerau en la sierra de Prades cerca de Reus, el torrente de Pareis al norte de Mallorca o Sant Miquel del Fai en Bigues i Riells, todos ellos lugares visitados por Gaudí.
Cabe destacar la belleza del hierro forjado de sus balcones, que simulan plantas trepadoras, obra de los hermanos Lluís y Josep Badia i Miarnau. Posee un total de cinco plantas, más un trastero diáfano realizado en su totalidad con arcos catenarios y la mencionada azotea, así como los dos grandes patios interiores, uno de planta circular y otro de planta oval. En la fachada destaca el arco ciclópeo de entrada, mientras que la cornisa superior, de forma ondulada, tiene esculpidos capullos de rosa con inscripciones del Ave María en latín ("Ave Maria gratia plena, Dominus tecum").
CASA CALVET
La Casa Calvet es un edificio diseñado por Antoni Gaudí situado en la ciudad de Barcelona, España.
Es un edificio de cinco plantas ubicado en el número 48 de la calle Casp, del distrito del Ensanche de Barcelona. [1] Se construyó entre 1898 y 1900, contando Gaudí con la colaboración de Francesc Berenguer, Joan Rubió y Juli Batllevell. En 1900 recibió el Primer Premio de la primera edición del Concurso anual de edificios artísticos de Barcelona.
El edificio fue realizado para un fabricante textil (Hijos de Pedro Mártir Calvet), y sirvió tanto para el negocio, al cual se destinaron la planta baja y el sótano, como para viviendas, ubicadas en las plantas superiores -la principal, del propietario, mucho más lujosa-. Muchos de los entendidos de la obra de Gaudí consideran la Casa Calvet como la obra más conservadora del arquitecto. Según ellos, la explicación está en que, por una parte, Gaudí tuvo que encajar el edificio entre otros más viejos ya existentes y, por otra, tener en cuenta el hecho de que estaría ubicado en un barrio elegante.
Efectivamente, la simetría, el equilibrio y el orden que caracteriza la Casa Calvet no son habituales en la obra de Gaudí. Aún así, existen elementos modernistas como, por ejemplo, las dos secciones de fachadas terminadas en curvas en la cubierta, el balcón acristalado que sobresale por encima de la entrada o la forma de los demás balcones. Las columnas que flanquean la entrada recuerdan a bobinas de hilo, y constituyen una alusión al negocio textil de Calvet.
La fachada es de piedra de sillería de Montjuïc, adornada con balcones de hierro forjado y rematada por unas estructuras trilobuladas, tres invertidas y dos sobresalientes, coronadas con cruces de hierro de forja. Las tres invertidas presentan bustos de San Pedro Mártir y de los santos patronos del pueblo natal de Calvet (San Ginés de Vilassar): San Ginés de Arles y San Ginés de Roma; sobre estos se encuentran las barandillas de la azotea, en forma de palma, símbolo del martirio.
Destaca asimismo en la fachada la tribuna del piso principal, decorada con la inicial del apellido del propietario, un ramo de olivo -símbolo de la paz-, un ciprés -símbolo de hospitalidad- y el escudo de Cataluña; se remata con una cúpula esculpida con dos cornucopias de Amaltea, de la que se esparcen las frutas, y sobre las que se posan dos tórtolas. La barandilla de hierro de la tribuna presenta decoración en forma de setas (clathrus cancellatus, morchella hibrida y craterellus cornucopioides), homenaje a la afición del señor Calvet por la micología.
En la puerta de entrada destaca el picaporte, de hierro forjado, con forma de cruz griega que golpea contra una chinche, símbolo de la fe aplastando el pecado. Fue forjado por Joan Oñós, forjador que colaboró habitualmente con Gaudí. El vestíbulo de recepción es de bóveda catalana, con columnas salomónicas de granito y arcos con relieves de yeso con forma de parra, así como la inscripción "Fe, patria, amor", lema de los Juegos Florales.
En este proyecto Gaudí utilizó un cierto estilo barroco, visible en el uso de columnas salomónicas, la decoración con temas florales y el proyecto de azotea con cascada y maceteros de aire rococó.
Gaudí diseñó igualmente el mobiliario de la casa, realizado con formas naturalistas muy del gusto de Gaudí. Los muebles del salón principal se encuentran actualmente en la Casa-Museo Gaudí, en el Parque Güell.
En 1900 la Casa Calvet recibió el premio anual al mejor edificio de parte del Ayuntamiento de Barcelona.
